DREAMERS APART

Crime e Castigo

2009-02-07T11:37:00.006Z

Este romance de Fiódor Dostoiévski é soberbo em todos os pormenores, absolutamente divinal nas entrelinhas (e no resto).

Datado de 1866, narra a história de Rodion Romanovitch Raskolnikov, um homem pobre que aspira a grandeza enquanto ser humano. Esta personagem carrega o peso da corrente filosófica e literária existencialista, que considera cada um como um ser único, responsável pelos seus actos e consequente destino.

"A existência precede a essência" na medida em que é através da nossa existência que nos vamos conhecendo e constantemente redefinindo o nosso pensamento. Ou seja, temos em nosso poder uma imensa liberdade, fazemos as nossas escolhas, traçamos o nosso rumo, definimos o que é, para cada um de nós, o sentido de responsabilidade.

A premissa de atingir a salvação através do sofrimento (cerne da obra em questão), corrobora estas linhas de pensamento filosófico.

Raskolnikov propõe-se fazer algo que, em sua opinião, mude a sociedade. Assim, e numa constante luta interior, mata uma velha agiota e a sua irmã.

É consumido, então, pela culpa e sofrimento, aos quais se segue o arrependimento e a confissão (salvação).

A visão do autor sobre a religião está muito presente no romance, especialmente quando a personagem de Sônia (uma mulher que nunca abandona Raskolnikov) compartilha a leitura de passagens do Novo Testamento com o mesmo.

A personagem de Svidrigailov é, possivelmente, uma das mais niilistas Dostoiévski.

Os dramas psicológicos de Raskolnikov prendem o leitor de forma subliminar.

É, sem dúvida, uma obra obrigatória.

Sara Toscano

For Your Consideration...

2009-01-05T23:37:00.014Z

Pois bem,

2008 já começa a ficar perdido na memória (estranhamente não me lembro onde e com quem estive na noite de 31 Dezembro) e começa a ser a altura dos balanços. E o balanço mais excitante de que me lembro é o Top 10 dos filmes de 2008 que vi (sim a minha vida social é assim tão má).

Atenção: Opinião Subjectiva!

10. Sweeney Todd: The Demon Barber of Fleet Street

Melhor: Desde "The Nightmare Before Christmas" que não ficava tão agradavelmente horrorizado com um Musical. Obrigado Mestre Burton.

Pior: O péssimo (excelente) actor Alan Rickman. De garganta cortada tarde demais.

9. The Darjeeling Limited

Melhor: Realização, Elenco, Guião, Mensagem, Banda Sonora, Cinematografia, Curta-Metragem, Produção Artística e.... já falei da realização?

Pior: Estrutura desequilibrada no 2º Acto mas é só mesmo para ser picuinhas.

8. Cloverfield

Melhor: Por ter reinventado um género que se pensava já ter esticado o pernil.

Pior: Devido ao movimento de câmara à mão pode cansar um pouco o espectador mais incauto.

7. Burn After Reading

Melhor: O mais engenhoso e delicioso filme sobre nada.

Pior: Algumas caricaturas dos personagens que forçam um pouco a barra.

6. Forgetting Sarah Marshall

Melhor: Comédia bem escrita com personagens desenvolvidos. A Sério, não estou a brincar!

Pior: Não deixa de ter algum (pouco, muito pouco) humor rude.

5. Blindness

Melhor: A realização de Meirelles. A estética leitosa e Julianne Moore, sempre Julianne Moore

Pior: Não é decididamente para todos. Um filme cru e cruel. Não que seja um defeito, claro.

4. In Bruges

Melhor: A poesia violenta que nos dá um arrepio na espinho e calor no coração.

Pior: Algumas situações inverosímeis que tendem a retirar-nos da narrativa.

3. Quantum of Solace

Melhor: Uma sequela directa que não perde em força muito graças ao meu anti-herói favorito James Bond (os olhos azuis gélidos de Daniel Craig fazem-lhe metade do trabalho).

Pior: O argumento por vezes torna-se instável e um pouco flatulento mas lá se endireita.

2. Dark Knight

Melhor: Por mostrar que um filme baseado em B.D. pode ter um clássico storytelling, construindo uma alegoria social sem perder o sentido de espectáculo. E o Joker rouba esse espectáculo .

Pior: Haver alturas em que julgava que da voz do Batman iria sair a frase: "Luke, I´m you father!"

1. Wall-E

Melhor: O filme mais humano deste ano é protagonizado por um robô. E a Pixar sabe pura e simplesmente contar uma história como mais ninguém da indústria.

Pior: Não há (não me vou por aqui a inventar!).

Nuno Soler

Desejos e afins...

2009-01-05T22:12:00.006Z

Bom 2009!

Para todos os preocupados,
para os que querem responder,
para os que não conseguem perguntar,
para aqueles com medo do que pode acontecer.
A todos um visceral e acutilante 2009!!!
Que respondam antes da pergunta,
que aconteçam antes de ver,
que se preocupem em ser...

Bom Ano!!!

Os Gigantes da Montanha

2008-12-12T14:01:00.005Z

A peça inacabada de Luigi Pirandello está em cena no Teatro da Cornucópia até dia 21 deste mês. É uma preciosidade que fascina e surpreende.

O teatro sobre o teatro é recorrente na obra de Pirandello (já em A Fábula do Filho Trocado), mas sempre com um toque mágico de ilusão e sonho. A simplicidade do cenário deixa um grande espaço à imaginação. As personagens são fortíssimas e extremamente bem representadas, com destaque para a interpretação de Rita Loureiro e de Luis Miguel Cintra.

O terceiro Acto da peça nunca foi escrito. A encenadora Christine Laurent optou por terminar a peça no segundo Acto, com a aproximação dos Gigantes da Montanha, com a terra a estremecer. É, sem dúvida, um final com muita força.

É preciso não deixar esquecido o trabalho maravilhoso de Daniel Worm D'Assumpção, responsável pelo desenho de luz da peça.

A personagem de Cotrone (Luis Miguel Cintra) pode ser vista como uma personificação do próprio Pirandello - o encenador de um teatro do inconsciente.

A peça é uma bela confrontação entre o que é e o que parece ser.

Imperdível!

Sara Toscano

West Side Story

2008-12-05T21:47:00.005Z

Está presentemente em cena, no Teatro Politeama, o musical West Side Story de Filipe La Féria, baseado na concepção de Jerome Robbins, guião de Arthur Laurents e música de Leonard Bernstein.

O Teatro Politeama, já uma referência no mundo do teatro, teve em cena alguns sucessos, entre eles Amália, My Fair Lady, Música no Coração e Jesus Cristo Superstar.

West Side Story constitui uma modernização do conflito trágico de Romeu e Julieta, de William Shakespeare. Transposta de Verona para o Upper West Side de Manhattan, a peça centra-se na eterna luta de gangues, neste caso entre porto-riquenhos e "americanos", com um clímax trágico poderoso.

Em 1961, o enorme sucesso da adaptação da peça ao cinema (que conquistou 10 óscares), tornou West Side Story mundialmente conhecido.

La Féria contou com alguns grandes nomes do palco português; de salientar a prestação (sempre) preciosa de Anabela e de David Ventura.

A voz de Bárbara Barradas é extremamente poderosa e arrepiante e Rui Andrade oferece-nos uma belíssima versão de "Maria", capaz de comover qualquer um.

Precisamos, ainda assim, de muito mais iniciativas desta natureza!

Sara Toscano

London

2008-11-26T23:08:00.006Z

Quando vi o conjunto de posts sobre Londres no blog da Wasted Blues, fiquei roído de inveja. Amanhã, concretiza-se um sonho. Roubo desavergonhadamente a imagem que me fascinou em London Calling IV e que me fez recordar o quão maravilhoso é o filme da Disney Peter Pan. Até breve.

Pedro Xavier

E se as Mulheres Governassem o Mundo...

2008-11-25T13:19:00.009Z

...todos os problemas seriam resolvidos com um abraço de grupo, certo? A banda desenhada Y: The Last Man tende a discordar. Escrito por Brian K. Vaughan e ilustrado por Pia Guerra, esta série da editora Vertigo conta a história de Yorick Brow, único sobrevivente duma praga que dizima num só dia todos os organismos possuidores do cromossoma Y.

Acabei de comprar os primeiros 3 Volumes da série de 12 e fiquei rendido ao storytelling, à intriga ética e social com temáticas pós-apocalípticas. O escritor consegue, com génio, transformar uma comum fantasia masculina numa saga de terror e suspense: ser o único homem num mundo de mulheres. Porém como Yorick vai descobrir ao percorrer as ruas apinhadas de corpos em decomposição dos seus parceiros genéticos, o mundo está à beira da anarquia. Com várias facções a tentarem controlar a espécie em vias de extinção, diversos tipos de governos insurgem-se num esforço para agir civilizadamente. Mas a dura realidade traz sempre o pior do ser humano e as fanáticas Amazonas, um grupo de mulheres que acredita que os impuros homens foram mortos pela Terra Mãe, toma controla da população em histeria. Um excelente estudo sobre a dúbia condição humana, quer ela seja a busca incessante do poder ou a necessidade espiritual de encontrar consolo no irracional.

Muitos grupos feministas contudo não gostaram do modo como as mulheres são representadas nesta obra, na forma como enfrentam as circunstâncias dum mundo governado por elas. Mas creio que se a situação fosse inversa e todas as mulheres tivessem morrido, demoraria apenas dez minutos para que os homens dominantes lançassem bombas nucleares uns aos outros, num glorioso barbecue explosivo. E a banda desenhada acabaria em 20 páginas. Este é realmente o melhor cenário.

Sem dúvida das melhores bandas desenhas de tempos recentes, um trabalho de ficção-cientifica simples no conceito mas eficiente na forma de narrar e ilustrar uma história tão sinistra em termos éticos. É de afirmar que uma das melhores obras cinematográficas deste ano não é um filme.

Nuno Soler

Saw

2008-11-25T00:20:00.003Z

Uma vénia a Leigh Whannell, que me proporcionou, nos últimos dois dias, algumas horas de um muito bom entretenimento, que dá pelo nome de Saw.

Num panorama que se começa a tornar repetitivo (os clichés do terror e do thriller), esta saga está divinalmente bem engendrada, todas as peças do puzzle vão colando, dando a entender que nada nos é dado ao acaso (fazendo assim juz ao nome dado ao serial killer, Jigsaw).

A premissa é simples: o homem que, devastado pelas vicissitudes da vida, se perde dele mesmo, passando o seu tempo a observar os outros à sua volta, acabando por achar que os salva se os puser à prova em jogos verdadeiramente perigosos e complexos, que se baseiam no poder de escolha (live or die); aqueles que decidirem passar pelo teste, caso sejam bem sucedidos, passarão a dar mais valor à sua vida.

Como se costuma dizer, "não há amor como o primeiro". Aplica-se perfeitamente a Saw, que pela originalidade e genialidade do argumento, constituiu uma novidade estrondosa. Os outros não deixam de ser muito razoáveis, mas não lhe chegam aos calcanhares.

A trama prende-nos de uma forma que, mesmo em cenas de extrema violência (tanto visual como psicológica), não conseguimos desligar de nada, com medo de perder algum elemento fundamental para a compreensão de tudo.

Todos os beats e turning points são fortíssimos, todos justificáveis e o factor-surpresa tem efeitos devastadores, servindo de turning point para o filme que se lhe segue (Saw II).

Para quem gosta de puzzles mentais e puxar pela cabeça, passem dois dias como eu passei: um cobertor, um sofá confortável e os Saw.

Sara Toscano

Somewhere Over The Rainbow

2008-11-24T22:59:00.004Z

Vejo algo sobre o Arco-Íris. Uma estrada de tijolos amarelos. Uma estrada que serpenteia com deliciosas oportunidades e visões. Vejo parceiros aventureiros, apaixonados pela mesma amante que me consume.

E tal como um cobarde sem cérebro e coração sou incapaz de balbuciar o mais simples dos obrigados.

Espero fazer-vos justiça e que demorem a ver o erro que foi ao convidar-me.

Enquanto isso desfrutarei da vista sobre o arco-íris.

Nuno Soler

Ensaio Sobre a Cegueira Pelos Olhos de Fernando Meirelles

2008-11-19T01:31:00.004Z

O recente Ensaio Sobre a Cegueira de Fernando Meirelles, baseado na obra homónima de José Saramago, é, ironicamente, um filme com uma visão diferente, fria, dura, quase cruel.
Quando digo "visão", refiro-me precisamente à forma do realizador desconstruir todo um código visual de planos aos quais estamos tão habituados.

Na verdade, faz todo o sentido. Quando um realizador faz um filme, coloca a câmara tendo em conta o olhar das personagens, as linhas de força, os eixos. Num diálogo, todos estamos habituados ao famoso campo/contracampo. Mas nada disto poderia ser feito num filme onde os personagens são cegos. Este seria, aparentemente, o maior dilema de Fernando Meirelles.

A fuga à escala clássica de planos, o desfoque e a saturação das cores frias foi, sem sombra de dúvida, a solução ideal para o problema dos pontos-de-vista. Para além do mais, enchem de significado o desenrolar do enredo e imprimem uma marca muito pessoal ao filme.

É um filme que vive da força das imagens. E é isso mesmo que faz de Fernando Meirelles um realizador fora de série (a capacidade extenuante de encher de sentimento todos aqueles planos, contando-nos uma história que vive essencialmente daquelas imagens tão fortes, tão vivas).

O Ensaio Sobre a Cegueira é uma obra de arte.

Sara Toscano

Quantum of Solace

2008-11-16T11:35:00.013Z

Desenganem-se todos os que se acham estar perante mais um Jason Bourne ou qualquer outro super agente secreto do século XXI. James Bond é Daniel Craig e nunca uma outra pele lhe assentou tão bem. Acabaram-se os vilões megalómanos, sustentados por uma ambição impossível ou pelo mais requintado plano de dominação mundial. Os gadjets high-tech ficaram na gaveta e as miúdas do herói não são nada ocas de pensamentos ou vazias de personalidade. Brosnan deixou, não por culpa dele, a imagem de Bond em queda livre para o campo da fantasia, onde o famoso herói só poderia morrer noutro dia. Esse dia chegou em boa hora com Casino Royale (2006). Martin Campbell arrumou de vez com o de fogo-de-artifício ultimamente associado à imagem do famoso agente secreto e devolveu-lhe parte da mortalidade e carácter que se julgavam esquecidos nos romances. Fleming deve sorrir de contentamento, pois este Bond que agora surge novamente em Quantum of Solace é a adaptação mais fiel da personagem ao grande ecrã.

Bruto, duro, implacável e vingativo, é assim que Marc Forster nos apresenta James Bond no 22º filme da saga mas que, apesar deste facto, poderia muito bem ser o segundo. O realizador de Monster’s Ball – Depois do Ódio, Contado Ninguém Acredita e À Procura da Terra do Nunca, pegou na introdução à personagem feita em Casino Royale e, pela primeira vez na história do herói britânico, deu-lhe uma continuidade explicitamente evolutiva de um filme para o outro, não só no que toca ao tema deixado em aberto, mas também no que diz respeito à persona em conflito. As feridas demasiado profundas que Vesper (Eva Green) deixou marcaram o herói - lembremos “The job's done and the bitch is dead” – e, apesar de uma aparente busca de vingança, Bond procura na realidade uma paz interior, um estado de espírito mais descontraído e relaxado, o estado de Quantum of Solace. No romance, a teoria que Fleming pôs da boca do governador de Nassau não está explicitamente visível, mas é sempre traduzida nas cenas mais pausadas, quer por imagens, quer em diálogos chave.

É no argumento que também se sente alguma continuidade. Neal Purvis (Morre Noutro Dia, Casino Royale), Robert Wade (Morre Noutro Dia, Casino Royale) e Paul Haggis (Casino Royale, No Vale de Elah) juntaram-se novamente e do romance do escritor inglês adaptaram Quantum como sendo a organização encabeçada por Dominic Greene, o vilão interpretado por Mathieu Almalric (O Escafandro e a Borboleta). Quantum é uma entidade criminal infiltrada em todos os ramos económicos e sociais que bem faz lembrar a SPECTRE dos filmes de Connery e Moore (tal como M diz em Casino Royale, digo também: “I miss the Cold War”). Apesar da falta de charme, postura ou ambição maquiavélica que o vilão possa apresentar, Dominic Greene é um dos vilões contemporâneos mais humanizados (a frieza e a arrogância sobressaem e de que maneira!) desde que Brosnan aceitou o desafio de dar cara e corpo à personagem.

Se Bond vive, desde Casino Royale, em permanente conflito interno de sentimentos, então Dominic Greene é o arqui-inimigo perfeito para complementar o herói: não só trabalha a um nível emocional como é um vilão que suja as mãos, que não se limita a comandar de um posto mais elevado. A acompanhá-lo está Olga Kurylenko (Camille), uma mulher destroçada por um trauma de infância que procura uma sangrenta vingança pessoal e irá concretizá-la com ou sem a ajuda de Bond.

Apesar de Eva Green ter deixado o lugar de Bond girl disponível, deixou também uma impossível mas desafiante missão à próxima actriz a ocupar a sua posição. O legado de Martin Campbell era pesado e a solução da equipa de argumentistas (da qual Craig também fez parte mas não foi creditado) passou não por mostrar uma Bond girl em busca de aventuras nocturnas, mas uma tão traumatizada quanto Bond, apesar de estarem a níveis diferentes: ela a nível físico, ele a nível emocional. Por estar assim destroçado, Bond não entra em jogos de sedução muito elaborados com a agente Fields (Gemma Arterton) e na suite do hotel vai directamente ao assunto.

As consequentes cenas entre lençóis são completamente frias de emoção ou mesmo anti-românticas, no entanto, a introdução de mais uma personagem no enredo, apesar de secundária, é fundamental para a caracterização do estado psicológico do agente secreto. Tal como a agente Fields, as restantes personagens têm um papel fundamental. As caras conhecidas de Casino Royale estão de regresso mas de maneira mais dúbia e subtil: Felix Leiter (Jeffrey Wright), da CIA, tem de seguir ordens superiores, mesmo que essas vão contra aquilo que Bond pretende; Mathis (Giancarlo Giannini), sempre com classe, regressa para auxiliar Bond, após ter sido detido injustamente no final de Casino Royale; M (Judi Dench) é a chefe severa, austera e intransigente, no entanto desempenha o papel da figura materna que Bond nunca teve; e claro, para acabar, Mr. White (Jesper Christensen) a cara, até agora, mais importante da organização criminal.

Todas as personagens movem-se num pano de fundo actual e contemporâneo que dá forma ao enredo: a escassez do petróleo, o valor da água e a associação de governos a entidades criminosas são os principais focos de interesse.

Uma explosão de som num túnel em Itália remete-nos para a primeira perseguição do filme, sufocante e alucinante. Quando acaba vemos sair Daniel Craig, de olhar cansado (há quantos dias não dorme?) mas de missão cumprida. No porta-bagagem está Mr. White. Se até este ponto pensámos estar perante o James Bond numa vertente mais clássica, desenganem-se mais uma vez. Estão ausentes as cenas clássicas no casino, as engenhocas do Q (à excepção de Casino Royale, nunca antes tínhamos visto um Bond tão físico), a solteirona Miss Moneypenny, os temas de John Barry passam despercebidos (mas estão lá!) e quando Bond bebe não é de maneira suave, é para se embebedar.

O “novo” James Bond tortura adversários e mata-os sem piedade nem misericórdia e tem humor, apesar de não ser apagado pela violência extremamente visceral que o Craig impõe nas cenas. O seu olhar azul não podia ser mais frio do que alguma vez Fleming imaginou. Por ser assim, o argumento é conduzido por um caminho inteligente no que diz respeito à gestão pessoal da personagem. A morte de Mathis é uma metáfora para a quebra da única coisa que ainda o ligava a Vesper (ouve-se o seu tema) e se no início de Casino Royale Bond ganhou o duplo zero – ordem para matar – Daniel Craig leva a personagem, ao contrário de Kurylenko, a não seguir por essa via para conseguir vingança.

Só no final azedo e amargurado de Quantum of Solace temos realmente o James Bond que conhecemos primeiramente em Dr. No (1962). No entanto, Marc Forster não descurou os pequenos pormenores. Há piscadelas de olho aos fãs dos anteriores filmes: perseguições de barco, saltos de avião e uma homenagem explícita a Goldfinger (1964). Mais curto que o anterior, a duração do filme não se torna um problema e é mostrado tudo o que importa.

O realizador aprendeu bem as lições de Martin Campbell, conseguindo assim dosear de forma eficaz os momentos mais pausados e contemplativos e as frenéticas sequências de acção: a corrida pelos subterrâneos de Siena enquanto decorre uma corrida de cavalos à superfície e a fuga/perseguição durante a encenação da Tosca (Puccini) são das sequências mais belas do filme, numa montagem irrepreensível. O facilitismo de se comparar Bond a Bourne apenas pode ser justificado pelas corridas de Craig nos telhados de Siena. Também poderíamos ir buscar outros filmes para comparação, como por exemplo, Miami Vice (Michael Mann).

Quantum of Solace não é um filme tão forte como Casino Royale. Tenta dar continuidade ao seu sucesso (é o mais curto de todos os filmes da saga) e, muito resumidamente, é um filme sobre a vingança. Tal como Kurylenko diz no filme, “There's something horribly efficient about you."

Pedro Xavier

Quantum of Solace - antecipação

2008-10-26T22:50:00.010Z

«'I've seen flagrant infidelities patched up, I've seen crimes and even murder forgiven by the other party, let alone bankruptcy and every other form of social crime. Incurable disease, blindness, disaster - all these can be overcome. But never the death of common humanity in one of the partners. I've thought about this and I've invented a rather high-sounding title for this basic factor in human relations. I called it the Law of the Quantum of Solace.'»

O excerto acima transcrito faz parte de Quantum of Solace, uma das short-stories que Ian Fleming escreveu ao longo da sua vida. Juntamente com From a View to a Kill, Risico, Octopussy, The Living Daylights e For Your Eyes Only (entre outros), Quantum of Solace surge agora numa nova edição da Penguin Books (um bem-haja!) de título homónimo. Esta edição surge num momento muito próprio, uma vez que pelo conteúdo não há nada de novo: trata-se de uma colectânea de todas as short-stories já editadas em dois volumes, o primeiro de título From a View to a Kill e o segundo de título Octopussy/The Living Daylights.

Quantum of Solace, a aventura que dá título ao 22º filme de James Bond, é uma história atípica nas aventuras do agente britânico. Aliás, em abono da verdade, não se pode considerar uma aventura àquilo que se passa nas vinte e cinco páginas do conto. A acção decorre em Nassau, num chato jantar na casa do governador. Depois dos convidados saírem, ficam apenas o anfitrião e o agente secreto, a conversar. É uma frase de Bond, «''I've always thought that if I ever married I would marry an air hostess», para quebrar o gelo, que despoleta toda a narração de uma história de uns conhecidos do governador e que tornam Bond no principal espectador e alvo de uma moral escondida...

Pois bem, de que se trata então de Quantum of Solace? Quantum of Solace é, tal como se leu no excerto, um estado de espírito.

«'They [man and a woman] can survive anything so long as some kind of basic humanity exists between the two people. When all kindness is gone, when one person obviously and sincerily doesn't care if the other is alive or dead, then it's just no good. That particular insult to the ego - worse, to the instinct of self-preservation - can never be forgiven.'»

O que esperar, então, de Quantum of Solace, o filme? Vamos ter, não um Bond passivo, a escutar velhas histórias enquanto bebe brandy recostado num incómodo sofá, mas sim um Bond vingativo, à procura dos responsáveis pela morte de Vesper (que, relembre-se, o traiu), completamente imerso no estado psicológico de Quantum of Solace: frio, seco, duro e implacável.

Teremos o Bond mais "negro" de todas as aventuras do herói britânico?

Pedro Xavier

Poster - The Shining (1980)

2008-10-21T10:53:00.005+01:00

Há dias deparei-me com este poster, desenhado por Jeff Kleinsmith. Totalmente desprendido de compromissos para com a produção e divulgação do filme, este poster consegue transmitir, sem mostrar demasiado, aquilo que o filme de Stanley Kubrick é: uma fuga paranóica e labiríntica numa casa assombrada, sombria e isolada do mundo. Baseado no best-seller de Stephen King, Kubrick ignorou o argumento do escritor e re-inventou o argumento à volta de uma família disfuncional. Não é um poster de génio?

Pedro Xavier

Joker

2008-10-21T10:31:00.004+01:00

Chega já a 4 de Novembro (na Amazon) a mais recente graphic novel de Brian Azzarello, de título Joker. O autor de 100 Bullets apresenta-nos um Joker muito parecido àquele que Heath Ledger interpretou em The Dark Knight (Cristopher Nolan). O próprio autor afirma que Joker, a graphic novel, é “the most violent thing I’ve ever written.” Da contracapa do livro pode-se ler:

"After yet another stint in Arkham Asylum, The Joker finds “his city” divided among mobsters and costumed villains. Not content to settle for a piece of the pie, The Joker vows to take back the whole damn enchilada by any means necessary. Look for appearances by a slew of Gotham’s most wanted, including gritty takes on Two-Face, Riddler, Killer Croc, Penguin, Harley Quinn and even Batman! Not since THE KILLING JOKE have you seen such a powerful tale of The Joker – you won’t want to miss this one!"

As primeiras quatro páginas podem ser lidas no MySpace e, pelo que vi, é de abrir o apetite por mais.

(fonte: /film)

Pedro Xavier

Coupling

2008-10-13T21:17:00.004+01:00

A sitcom britânica Coupling é brilhante em diversos sentidos, e muito particularmente no seu guião, escrito por Steven Moffat. Centra-se nas aventuras de um grupo de seis amigos (3 homens e 3 mulheres) que, na maior parte dos episódios, debatem as mesmas histórias entre si (ou acontecimentos similares), embora com visões sempre completamente distintas (basicamente, a visão feminina e a masculina de cada questão).

O sucesso desta série foi quase automático, e quando passou na BBC Americana, houve uma tentativa de adaptá-la, que falhou pelo caminho (afinal, é difícil igualar o charme dos ingleses, mesmo numa sitcom).

O engraçado é que, após alguns episódios, começamos a notar pormenores absolutamente fantásticos, como o facto de, embora se pense o contrário, os homens serem muitíssimo mais inseguros que as mulheres em relação a tudo (exceptuando a personagem Sally - Kate Isitt - que tem alguma dificuldade em aceitar a velhice e as forças da gravidade).

Os personagens funcionam na perfeição entre si, como um grupo. Complementam-se e têm sempre algo extremamente inteligente (ou estupidamente cómico) para dizer. Todos eles apresentam características vibrantes (notáveis mais do que a olho nu), como a incapacidade de Steve (Jack Davenport) de lidar com a pressão "I meant to say 'yes', and I missed by one word!" ou a sua sempre presente fantasia por Mariella Frostrup; a segurança e determinação de Susan (Sarah Alexander) que desconcerta as suas amigas, que invariavelmente se vão mostrando ligeiramente invejosas; a dificuldade que Jeff (Richard Coyle) tem de falar com as mulheres interessantes ou atraentes, que leva a uma constante frustração sexual (e constitui grande parte das cenas mais cómicas da série); a obsessão de Sally pelo seu corpo que está ligada ao seu maior medo - o de acabar sozinha; a visão redutora que Patrick (Ben Miles) tem das mulheres, conseguindo, no entanto, dormir com todas elas (talvez pela mesma razão que lhe chamam 'donkey' ou 'tripod') e, finalmente, a possessividade de Jane (Gina Bellman), especialmente por ela própria (e, claro está, a sua falta de inteligência, or so it seems).

A evolução das temporadas está muito bem conseguida, modificando as relações do grupo de amigos gradualmente, numa contínua relação de causa e efeito, nunca deixando perder o fio à meada e deixando os personagens crescerem sozinhos.

De recordar algumas quotes que, mesmo fora de contexto, conseguem arrancar um sorriso da cara do mais sisudo:

Sally: "What do you call people you go out with but don't try to sleep with?"
Patrick: "Men"

Jeff: "I love the word naked, it's brilliant isn't it, 'naked'? When I was a kid I used to write the word naked on a bit of paper hundreds of times and rub my face in it."

Sally: "At least you've been in there with Patrick. I've passed on my opportunity to be 'Patricked'."

Jeff: "When God made the arse, he didn't say, 'Hey, it's just your basic hinge, let's knock off early.' He said, 'Behold ye angels, I have created the arse. Throughout the ages to come, men and women shall grab hold of these, and shout my name!"

Susan: "Some men were born lucky. Some men were born very lucky."
Sally: "What was Patrick born?"
Susan: "A tripod."

Steve: "Jeff, every morning I wake up glad I'm not you."
Jeff: "Me too."

Jane: "I really quite like being single. Except for the bit about not having a man."

Steve: "This is not, I repeat, *not* an American sitcom!"

Sara Toscano

António Lobo Antunes

2008-10-09T09:00:00.001+01:00

A propósito de António Lobo Antunes, está disponível no youtube uma entrevista na SIC Notícias, conduzida por Mário Crespo, aquando o lançamento de O Meu Nome é Legião (2007). Quem não conhece a personalidade do autor, ficará certamente encantado(a) e curioso(a) por ler a sua obra. Quem já o conhece, é sempre um prazer ouvir o que um dos maiores escritores alguma vez vivos neste pequeno rectângulo à beira mar plantado tem para dizer. Aqui ficam os vídeos.

Pedro Xavier

Videoclip #4

2008-10-08T23:21:00.003+01:00

Para além do lugar-comum "se uma Kylie Minogue é bom de ver, quatro é ainda melhor", o videoclip Come Into My World tem muito que se lhe diga, por muito simples que seja a ideia. À medida que dá a mesma volta à rua quatro vezes, a cantora vai se desdobrando noutras, que a acompanham com alguma variação na coreografia, mas fazendo basicamente o mesmo que a "original". O resultado é muito bom. E Kylie Minogue, efectivamente, monopoliza qualquer olhar de espectador mais desatento. Mas há que notar a mestria com que, à medida que Kylie se vai desdobrando noutras, também as outras personagens de segundo plano se desdobram, enchendo e tornando a rua num caos. Perfeito.

É realmente dada importância ao quadro como um todo. Muito bem conseguido.

Sara Toscano

Videoclip #3

2008-10-08T22:54:00.003+01:00

E com uma estética muito própria, o videoclip dos Vicious Five - Bad Mirror - tem uma mensagem muito simples, intrínsecamente ligada à "onda" desta banda - a ideia do Do it yourself. O facto de termos frames pintados e desenhados à mão por pessoas comuns (e não profissionais de belas-artes) leva a pensar "qualquer um de nós pode fazer um videoclip". E está muito bem conseguido, visualmente apelativo.

O que é nacional, é efectivamente bom!

Sara Toscano

Videoclip #2

2008-10-08T22:22:00.003+01:00

Há ainda um videoclip que, pela natureza da sua astúcia, que passa tão despercebida a tanta gente, não pode deixar de ser mencionado; Imitation of Life, dos R.E.M. é um videoclip extremamente "poupado": na verdade, dos pouco mais de 4 minutos que tem no total, apenas possui 17 segundos de video corrido; tudo o resto, são rewinds e fast forwards àqueles 17 segundos, com zoom in e zoom out, focalizando-se nas personagens que compôem o quadro. E no entanto, quem repara nisto? O trabalho de todas aquelas personagens está tão bem feito, que nos prendemos aos seus pedaços de histórias (e lábios que vão cantando a letra da música, now and then), sem nunca reparar que aquilo que estamos a ver está a acontecer tudo em simultâneo, excepto aos nossos olhos.

Ora, vejamos:

Simplesmente genial.

Sara Toscano

Videoclip #1

2008-10-08T21:38:00.004+01:00

Um videoclip, ou teledisco, é um video curto, a acompanhar uma música; até aí, tudo de acordo. À primeira vista, é também um "golpe" de marketing, com o intuito de vender a imagem duma banda ou artista, vender a sua obra, o som, o produto, o disco. Mas quem é que não concorda que um videoclip é, acima de tudo, também uma arte? Pode ter vários tipos de abordagem, é verdade; obedece a algumas regras e convenções (especialmente aqueles que passam na MTV); segue diferentes estilos, técnicas e estéticas e é, normalmente, arrojado. Sim, mas quem pensa que um videoclip só vive da música que tenta vender, engana-se.

Vejamos, assim, um grande exemplo que corrobora a máxima "videoclip - arte":

How does it make you feel é um clip onde a composição da imagem, tão limpa, se entranha por completo na música que ilustra, numa simbiose perfeita. Este videoclip não poderia pertencer a outra música, nem esta música faria o sentido que faz, se fosse com outro videoclip. Tão simples quanto isto.

Sara Toscano

Os Cus de Judas (parte II)

2008-10-08T19:35:00.005+01:00

«Passamos vinte e sete meses juntos nos cus de Judas, vinte e sete meses de angústia e de morte juntos nos cus de Judas, nas areias do Leste, nas picadas dos Quiocos e nos girassóis do Cassanje, comemos a mesma saudade, a mesma merda, o mesmo medo, e separamo-nos em cinco minutos, um aperto de mão, uma palmada nas costas, um vago abraço, e eis que as pessoas desaparecem, vergadas ao peso da bagagem, pela porta de armas, evaporadas no redemoinho civil da cidade.»

Por onde começar quando se fala de Lobo Antunes? Pelo princípio, pelo meio, ou pelo fim? A questão não é tão simples como aparenta ser. Analisar a sua obra, ou parte dela, é um exercício tremendamente arriscado, visto estarmos perante um dos mais complexos e geniais autores e romancistas portugueses. Os Cus de Judas, o segundo livro de António Lobo Antunes, faz parte de uma trilogia que inclui Memória de Elefante (anterior) e Conhecimento do Inferno (posterior). O livro é um testemunho e uma "dolorosa aprendizagem da agonia", diz o autor acerca da guerra em Angola. Ao evoluirmos gradualmente na leitura, vai-se desmontando o ultramar, pelos meses em que o narrador se encontrou ao serviço da pátria portuguesa.

Organizado em 23 capítulos, ordenados de A a Z, sem interrupções na ordem do alfabeto, a acção desenrola-se em dois planos temporais: um cronológico, período de tempo de uma noite, que vai do encontro do narrador com uma mulher num bar até o amanhecer, depois de uma noite de sexo sem amor, e o tempo elástico, reconstituído a partir fragmentos soltos, recolhidos dos escombros das memórias de uma colecção de insucessos e fracassos. O tempo cronológico é um enorme monólogo em que o narrador expõe a uma mulher sem nome todas as suas angústias e a mediocridade da vida que o cerca. A sensação de fracasso que domina o narrador está intimamente ligada aos insucessos dos tempos em que servia o exército português no combate às guerrilhas africanas.

Partindo do relato do narrador, das experiências a que foi sujeito e da forma como as interpreta e com elas lida, traça-se um percurso que desemboca inevitavelmente na conclusão/admissão do gigantesco e inacreditável absurdo da guerra. Delineia-se um retrato demasiado bruto e verdadeiro para se poder falar de uma caricatura. A seriedade e crueldade da narrativa fazem do livro uma denúncia. Ou antes: é deste modo apresentada uma visão da realidade, uma posição sobre os factos, uma voz silenciada que entra em erupção e vem contar a sua versão. Numa narrativa não-linear e fragmentada, Lobo Antunes revela as inquietações existenciais de um ser humano, na indelével experiência de uma guerra, que se misturam às memórias de infância e juventude na Lisboa salazarista.

O autor utiliza, na maior parte do romance, o fluxo de consciência e da associação de ideias, para construir a história e o perfil de seu narrador-protagonista, uma personagem que, a partir de "uma dolorosa aprendizagem da agonia", vê a sua vida e os seus valores estilhaçados pela melancolia. O que lhe resta são fragmentos de memória — a criança que visitava com os pais o jardim zoológico aos domingos, o jovem que assiste impassível ao seu futuro a ser traçado pela autoridade inquestionável de uma família salazarista, o adulto apático e frustrado diante da violência que lhe retira as rédeas e o sentido da vida.

Decadência, putrefacção, pestilência, morte, violência e absurdo, são as palavras-chave desta obra. Ao regressar a Portugal, após vinte e cinco meses de sofrimento a servir como médico na Guerra Colonial, o narrador (autor) desabafa. O sofrimento, a violência, as mortes e a hipocrisia política vividas marcaram-no de tal maneira que ele não se consegue adaptar à vida, uma vez que acaba por se separar da mulher, Isabel, com quem teve duas filhas. E assim, decifrando a noite, o deserto, os homens, a luz e as trevas, depara-se consigo mesmo. A verdade o Homem que emerge dentro de si, quando supera a si mesmo, quando diz não a tudo aquilo que o sufoca, o desespera, quando supera África, terra de resistência, terra de epifania, porque “ao se medir com um obstáculo, o homem aprende a se conhecer”.

Pedro Xavier

Os Cus de Judas (parte I)

2008-10-08T19:16:00.004+01:00

«Escute. Olhe para mim e escute, preciso tanto que me escute, me escute com a mesma atenção ansiosa com que nós ouvíamos os apelos do rádio da coluna debaixo de fogo, a voz do cabo de transmissões que chamava, que pedia, voz perdida de náufrago esquecendo-se da segurança do código, o capitão a subir à pressa para a Mercedes com meia dúzia de

voluntários e a sair o arame a derrapar na areia ao encontro da emboscada, escute-me tal como eu me debrucei para o hálito do nosso primeiro morto na desesperada esperança de que respirasse ainda, o morto que embrulhei num cobertor e coloquei no meu quarto, era a seguir ao almoço e um torpor esquisito bambeava-me as pernas, fechei a porta e declarei Dorme bem a sesta, cá fora os soldados olhavam para mim sem dizer nada, Desta vez não há milagre meus chuchus, pensei eu, fitando-os, Está a dormir a sesta, expliquei-lhes, está a dormir a

sesta e não quero que o acordem porque ele não quer acordar, e depois fui tratar dos feridos que se torciam nos panos de tenda, nunca os eucaliptos de Ninda se me afiguraram tão grandes como nessa tarde, grandes, negros, altos, verticais, assustadores, o enfermeiro que me ajudava repetia Caralho caralho caralho com pronúncia do Norte, viemos de todos os pontos do nosso país amordaçado para morrer em Ninda, do nosso triste país de terra e mar para morrer em Ninda, Caralho caralho caralho repetia eu com o enfermeiro com o meu

sotaque educado de Lisboa, o capitão apeou-se na Mercedes num cansaço infinito, segurava a arma à laia de uma cana de pesca inútil, o povo da sanzala espreitava receoso lá de baixo, escute-me como eu escutava o rápido latir aflito do meu sangue nas têmporas, o meu sangue intacto nas têmporas, pelos buracos da varanda via o capitão a passear de um lado para o outro apertando o viático de um copo de uísque contra o peito, falando sozinho, cada um

conversava sozinho porque ninguém conseguia conversar com ninguém, o meu sangue no copo do capitão, tomai e bebei ó União Nacional, o corpo do morto crescia no quarto até rebentar as paredes, alastrar pela areia, alcançar a mata em busca do eco do tiro que o tocou, o helicóptero transportou-o para Gago Coutinho como quem varre lixo vergonhoso para debaixo de um tapete, morre-se mais nas estradas de Portugal do que na guerra de África, baixas insignificantes e adeus até ao meu regresso, o furriel arrumou os instrumentos cirúrgicos na caixa cromada, os canivetes, as pinças, os porta-agulhas, as sondas, sentou-se ao meu lado nos degraus do posto de socorro, espécie de vivenda pequenina para férias dos

reformados melancólicos mordomos idosos, governantas virgens, os eucaliptos de Ninda não cessavam de aumentar, estamos os dois aqui sentados como eu e ele nesses tempo, Abril de 71, a dez mil quilómetros da minha cidade, da minha mulher grávida, dos meus irmãos de olhos azuis cujas cartas afectuosas se me enrolavam nas tripas em espirais de ternura, Foda-se, disse o furriel que limpava as botas com os dedos, Pois é, disse eu, e acho que até agora nunca tive um diálogo tão comprido com quem quer que fosse.»

in Cus de Judas

Pedro Xavier

Morte das Bond Girls

2008-10-08T00:18:00.008+01:00

Surpreendentemente, os produtores do novo filme de James Bond, Quantum of Solace, distribuíram na imprensa uma série de fotografias reveladoras do final de uma das personagens principais do filme, mais concretamente da nova Bond girl, interpretada por Gemma Arterton. A morte de uma Bond girl não é novidade nenhuma. Basta recordar Casino Royale, The World is Not Enough ou Tomorrow Never Dies, como os casos mais recentes, ou então relembrar outro Bond, Sean Connery em Goldfinger (1964). É neste último que a cena da morte de Jill Masterson ficou para sempre gravada na nossa memória. Deitada numa cama, nua, pintada a ouro, morta por asfixia da pele.

Pedro Xavier

Story, by Robert Mckee

2008-09-29T21:42:00.004+01:00

Robert Mckee é um professor de escrita criativa, popular pelo seu "Story Seminar" (que vem agora a Portugal, em Novembro deste ano), desenvolvido aquando da sua experiência como professor na University of Southern California. Mckee é o autor da bíblia dos guionistas, Story: Substance, Structure, Style and the Principles of Screenwriting. Nesta obra, o trabalho de guião é analisado ao pormenor, com maior relevância para a estrutura narrativa como um todo, com diversas partículas e possibilidades que se podem escolher e seguir.

Basicamente, Mckee dá-nos toda a técnica para contar histórias (e não é isso mesmo que faz um guionista?); desde fontes de inspiração, registos escritos, géneros cinematográficos, estrutura do texto, formatação, personagens, substâncias de uma história, a divisão em Actos (Syd Field), o design das cenas, a sua composição, o inciting incident, a crise, o clímax, a resolução, os princípios antagónicos, a exposição, os problemas, contratempos e gaps, o método, os diálogos, a poética aristotélica, entre muitas outras, todas de extrema importância.

Para Mckee, uma história é sobre princípios, não regras (sabemos como é que as coisas funcionam, mas as regras existem para ser quebradas); é sobre formas universais (que façam sentido, de alguma forma, em qualquer parte do Mundo); é sobre arquétipos e não estereótipos (os estereótipos são redutores, os arquétipos universalmente reconhecidos); é sobre persistência, não atalhos (é necessário dispender de uma quantidade enorme de tempo e esforço numa história); é sobre as realidades da escrita, não os seus mistérios (desde Aristóteles e a Poética); é sobre Arte, não mercado; é sobre respeito, não desdém pelo espectador (ter sempre presente que o espectador já viu tudo); é sobre originalidade, não duplicação (atenção às escolhas que são feitas).

Story é um livro fundamental, especialmente para quem quer seguir esta área.

Sara Toscano

Doomsday

2008-09-29T21:33:00.004+01:00

Este filme de Neil Marshall (realizador e guionista do mesmo) assenta no pressuposto “a humanidade tem a sua data de validade”. Para um filme que não é mais que tudo aquilo que já toda a gente viu, Doomsday não cansa, nem é uma perda de tempo: pelo contrário, dentro de toda aquela “impossibilidade” em termos de argumento ou género, consegue prender-nos à cadeira, levando-nos a revisitar universos que tão bem conhecemos de toda a nossa cultura visual, sem que nunca os tenhamos imaginado juntos, num mesmo espaço e tempo fílmicos. A ideia do vírus letal que infecta milhões de pessoas e mata centenas, já está muito vista; no entanto, “in the land of the infected, the immune man is king” é um conceito poderoso. E Rhona Mitra é perfeita para o papel.

Doomsday é muito bom ao levar as personagens (especialmente Eden Sinclair e Sol) ao seu limite, explorando muito bem as forças antagónicas que os impedem, incessantemente, de atingir os seus objectivos.
O arco da história (negativo – positivo – negativo) está muitíssimo bem conseguido, demonstrando uma grande evolução na personagem principal (Eden) que, enquanto no início do filme é levada para fora da zona de quarentena (e para longe da sua mãe), no final opta por permanecer lá, como numa tentativa de alterar o rumo que a história dela levou.

Pontuado com um humor deliciosamente negro, a apresentação da personagem de Eden, muito visual, funciona na perfeição, fornecendo todos os dados necessários à compreensão das motivações e consequentes atitudes que vai tendo, e das opções que toma, facilitando não necessariamente uma simpatia instantânea pela personagem, mas, definitivamente, uma grande empatia. A energia do argumento é inesgotável (ou assim parece), as referências a filmes como Os Salteadores da Arca Perdida tornam-no numa pequena delícia para os mais aficcionados do cinema; em termos técnicos não tem grandes falhas e o ritmo da montagem está em conformidade com a acção. A capacidade de surpreender o espectador é inesgotável, sendo considerado por muitos um “roçar no ridículo”. Talvez seja disso mesmo que o filme vive, de outra forma não se poria a questão “se não fosse daquela maneira, será que funcionava?”

De notar, no entanto, o fraco trabalho de personagens secundárias, que não chegavam a trazer nada de novo ao mundo ali idealizado (não digo todas, mas, por exemplo, afinal quem eram todos aqueles que acompanharam Eden à zona de quarentena? Por que foram lá? Porquê eles e não outros?); talvez também o clímax e a resolução deixem um pouco a desejar, no sentido em que toda a história é construída com vista àquela acção final que, podendo deixar as coisas em aberto, não deixa nunca dúvidas em como as coisas não poderiam terminar doutra maneira.

De um modo geral, e para quem falhou a estreia aquando do festival de terror (Motelx), Doomsday é uma obra que deve ser vista e apreciada, livre de preconceitos.

Sara Toscano

A Review on Death Magnetic

2008-09-28T22:24:00.002+01:00

Cinco anos depois de lançarem St. Anger (2003), os Metallica lançam agora o novo álbum Death Magnetic. Tendo passado por um período conturbado, a banda de heavy metal aparenta agora uma consolidação que permitiu a produção de mais uma obra musical única e indispensável. Death Magnetic é arrojado em todos os sentidos; e é a prova de que a idade lhes assenta tão bem!

Naquilo a que se pode chamar um 'reencontro com a sua essência', a estrutura das músicas que compôem o novo álbum remete aos louváveis primórdios da banda, que se alteraram ligeiramente (o que não implica que seja para menos bom, apenas para diferente) com o Black Album (1991), com um ritmo menos acelerado.

St. Anger representou um descarregar de energia (negativa, pelo que dizem), classificado por muitos críticos como uma produção bizarra de "group-therapy session" (donde, no entanto, se retiram singles absolutamente extasiantes, como Frantic, St. Anger ou Some Kind of Monster, entre outros).

Com duas novidades (o baixista Robert Trujillo e o produtor Rick Rubin), Death Magnetic tem muito de ...And Justice for All, Master of Puppets e Ride the Lightning. E para reparar nisso, basta ouvir os primeiros segundos da primeira música do CD.

Segundo a própria banda, o título do álbum é um tributo a todos os companheiros do universo musical que perderam as suas vidas, pelo caminho, deixando muito ainda por fazer (ressoa sempre o nome de Cliff Burton). E, diga-se, enquanto tributo, não poderia ser mais representativo de todo o espírito que envolve o nome sonante da banda e a sua carreira; enquanto álbum, considera-se este trabalho mais um renascer que uma morte (embora a morte seja a temática recorrente dos lyrics e do design do conteúdo do CD).

Os lyrics são invariavelmente poderosos (The Judas Kiss) e o primeiro single, The Day That Never Comes, é comparado à One (...And Justice for All), numa combinação de balada e trash que, no entanto, não deixa a um canto a Broken, Beat and Scarred, onde a inconfundível voz de James Hetfield ganha uma extrema força nas linhas "What don't kill ya make ya more strong".

É um álbum que tem tanto de obrigatório, como de genial.

Sara Toscano

Paul Newman (1925-2008)

2008-09-27T15:30:00.002+01:00

Poster - Quantum of Solace

2008-09-26T09:04:00.008+01:00

Não se pode dizer que não há expectativa quanto a Quantum of Solace, o mais recente filme das aventuras de James Bond. Um Bond vingativo, de orgulho ferido e em busca de algo mais do que a sua missão? A premissa é boa, digna dos romances de Ian Fleming. Quantum of Solace tem já uma vantagem à partida: mantém a mesma equipa de Casino Royale (2006) e, se tudo correr bem, terá, novamente, o mais fiel actor à personagem desde George Lazenby. Pois, leram bem! Este senhor, que deu corpo à personagem em On Her Majesty's Secret Service (1969), apesar de canastrão e sensaborão, acabou por fazer deste filme um dos mais fiéis aos romances. Que saudades também de Sean Connery em Thunderball (1965) e Goldfinger (1964), tão bons ou melhores que os livros! Outro tão pouco falado é o From Russia With Love (1963) onde, no romance, o nome James Bond só aparece passado uma centena de páginas. Floreados literários à parte, havia magia nestes filmes: desde o genérico ao poster que a imagem de James Bond ganhou um estilo muito próprio.

Relativamente ao último poster e, supostamente, o poster final do filme, é aparentemente oco no conteúdo ao se mostrar duas pessoas, numa tentativa de ter um ar cool, perdidas no deserto. No entanto, é um poster de Bond atípico em que o olhar das personagens é perturbado e apresentam uma cumplicidade que os une, não pela habitual atracção que Bond provoca nas Bond girls mas por terem um objectivo comum.

Pedro Xavier

Empire presents...

2008-09-24T23:55:00.004+01:00

Uma das mais conceituadas (e vendidas) revistas norte-americanas de cinema elaborou uma votação (a maior de sempre) para eleger os 500 melhores filmes de sempre. A escolha pode não ser consensual, uma vez que é resultado de uma votação. Sim, a maioria dos filmes é de origem norte-americana, não que isso seja mau, mas às vezes falta ali um Kurosawa, Bergman, Fellini, Antonioni, Godard ou Buñuel nos lugares de topo. Mas vale a pena passar os olhos, nem que seja pelas belíssimas fotos que lá estão. É tão bom reviver, pelas fotos, os grandes filmes...

Revista Empire
The 500 Greatest Movies of All Time

Pedro Xavier

O Sonhador

2008-09-24T19:13:00.010+01:00

Ian McEwan, o autor inglês de Cães Pretos, Amesterdão, A Criança no Tempo, O Jardim de Cimento, Expiação e A Praia de Chesil, apresentou em 1994 o seu segundo romance para crianças, The Daydreamer ou, em português, O Sonhador. O Sonhador foi o meu primeiro livro de McEwan e despertou-me rapidamente o interesse para as suas restantes obras. Não se pense que por ser para crianças não o devemos ler. A maravilhosa imaginação e ideias contidas nas suas páginas, são inspiradoras para mentes de todas as idades.

A personagem principal é um rapazinho de 10 anos chamado Peter e é nesta personalidade que Ian McEwan projecta a sua. A mente de Peter leva-nos por um mundo vastíssimo e rico em imaginação e aventuras, contendo todas as perguntas e respostas que alguma vez, consciente ou inconscientemente, já nos fizemos. Em sete episódios, o escritor Peter Fortune, já em adulto, revê as secretas aventuras e metamorfoses de infância. Ao viver, algures, entre o sonho e a realidade, Peter sofre transformações fantásticas: troca de corpo com o gato velho lá de casa, tem uma batalha de bonecas furiosas ou então encontra um creme na gaveta de cozinha que quando espalhado faz desaparecer as pessoas.

O Sonhador está maravilhosamente bem escrito, elaborado e imaginado, com o poder de nos cativar a cada página que viramos. As ideias que McEwan teve, aliás, que Peter tem, ficam-nos para sempre na memória.

Pedro Xavier

Poster - Face/Off (1997)

2008-09-22T14:46:00.004+01:00

Parece um poster de Saw mas desenganem-se. É assim que se fazem posters na Europa de leste, mais especificamente na Polónia. Este é o de Face/Off, o filme de John Woo de 1997, que opunha John Travolta a Nicolas Cage, polícia e assassino, numa troca de identidades atípica. O realizador chinês e realizador do incompreendido Mission: Impossible II (2000), já aqui impunha o seu estilo oriundo do cinema oriental, repleto de bailados metafóricos ocultos nas cenas de acção. É sem dúvida um filme de acção a não perder.

Pedro Xavier

Novidades da manhã #1

2008-09-22T14:23:00.005+01:00

Revolutionary Road, o mais recente filme de Sam Mendes (American Beauty, Road to Perdition, Jarhead), volta a reunir no grande écrã as estrelas de Titanic (James Cameron, 1997) Leonardo DiCaprio e Kate Winslet. Desta vez mais crescidos e maduros, os actores interpretam um casal inconformado com os tempos em que vivem, em permanente busca de realização pessoal num sufocante mundo de convenções. O romance de Richard Yates (de 1961) foi eleito pelos leitores da Time Magazine como um dos 100 melhores romances de sempre. Fiquemos com o trailer

Pedro Xavier

Tema de Quantum of Solace disponível para audição

2008-09-19T11:26:00.005+01:00

Alicia Keys e Jack White, dos White Stripes, gravaram em conjunto o tema principal do 22º filme de James Bond, Quantum of Solace, que terá estreia mundial a 29 de Outubro (em Portugal foi adiado para 6 de Novembro). A música, "Another Way to Die" é o primeiro dueto na história da banda sonora dos filmes do herói britânico. Jack White é o responsável pela letra e pela produção do tema, que será acompanhado pela magnífica voz de Alicia Keys e pela partitura de David Arnold, que dará corpo ao filme.

Quantum of Solace tem pela segunda vez como herói Daniel Craig (Casino Royale) e conta novamente com a participação de dame Judi Dench (M), Jeffrey Wright (Felix Leiter), e Giancarlo Giannini (René Mathis). A realização será novamente da responsabilidade de Marc Forster (Casino Royale), sustentada por um argumento sólido que lhe dão os nomes de Neal Purvis, Robert Wade e, essencialmente, Paul Haggis (Crash, Million Dollar Baby, Flags of Our Fathers, In the Valley of Elah).

Aqui fica o tema "Another Way to Die"

Another Way To Die (Feat. Jack White) - Alicia Keys

Pedro Xavier

Censura ou bons costumes?

2008-09-19T11:25:00.000+01:00

O primeiro poster, o da esquerda, foi o original. O segundo, o da direita, foi o remendo, a alternativa encontrada após o primeiro ter sido rejeitado pela MPAA (Motion Picture Association of America).

“Founded in 1922 as the trade association of the American film industry, the MPAA has broadened its mandate over the years to reflect the diversity of an ever changing and expanding industry. The initial task assigned to the association was to stem criticism of American movies, which were then silent, and to restore a more favorable public image for the motion picture business. Today the association continues to advocate for strong protection of the creative works produced and distributed by the industry, fights copyright theft around the world, and provides leadership in meeting new and emerging industry challenges.”

Este excerto, retirado directamente do sítio da MPAA, caracteriza a instituição do ponto de vista para o qual foi fundada. No entanto, para o país que se afirma como o da liberdade, a MPAA é, na realidade, um dos mais antigos organismos de censura da arte existentes nos Estados Unidos. O cinema sofreu nas décadas de 60 e 70 graves repercussões originadas pela abertura de mentalidades. Os filmes começaram a quebrar tabus sociais, como o sexo e a violência, causando ao mesmo tempo controvérsia e fascínio. O MPAA interveio, principalmente, ao censurar publicamente filmes eróticos, actuando como o padre censurador de Nuovo Cinema Paradiso (Giuseppe Tornatore, 1988) (exemplo obviamente exagerado), que nos anos 90 se tornaram banais. Exemplo disso é o mais conhecido Instinto Fatal.

Depois de Porky’s e American Pie (todos eles), ainda admira que o MPAA funcione como consciência social, em vez de delegar esse posto à consciência de cada um.

Pedro Xavier

Tributo a Robert McGinnis

2008-09-18T18:34:00.002+01:00

Perguntam-se vocês “quem é Robert McGinnis?” Como temos vindo a dedicar periodicamente alguma atenção a posters emblemáticos da história do cinema, não podíamos deixar de parte, quase no esquecimento, o nome de Robert McGinnis. Este americano nascido em 1926, no Ohio, foi o criador dos mais emblemáticos posters fílmicos (mais de quarenta, nos quais se destacam Breakfast at Tiffany’s, Barbarella e os filmes de James Bond), capas de revistas pop nas décadas de 60 e 70 e no retrato do Oeste Americano. Paul Jilbert tirou o nome do autor do esquecimento lançando recentemente, em DVD, o documentário obrigatório Robert McGinnis: Painting the Last Rose of Summer.

New York, I Love You

2008-09-18T16:50:00.001+01:00

No festival de cinema de Toronto (Toronto International Film Festival) foi apresentado, em estreia absoluta, New York, I Love You. Este filme é o segundo de uma série que começou com Paris, Je T’aime (2006) e que terá continuidade, nos próximos anos, em mais duas cidades: Shanghai, I Love You e Jerusalem, I Love You. Para quem desconhece o conceito de Paris, Je T’aime, e que é prolongado em New York, I Love You, a ideia é reunir vários realizadores e actores para dar forma à criação de vários episódios passados nestas cidades do amor, reunidos numa antologia romântica, ao que se pode chamar um franchise das cidades do amor.

Em Nova Iorque, cidade do amor e das desgraças, é revelado o melhor do amor num conjunto de 12 episódios, que conta com a realização de Allen Hughes, Shekhar Kapur, Joshua Marston, Mira Nair, Brett Ratner, Scarlett Johanson e Natalie Portman e com as interpretações de Kevin Bacon, Maggie Q, Orlando Bloom, James Caan, Ethan Hawke, Shia LaBeouf, Christina Ricci, entre outros. Depois de Manhattan e Annie Hall, ambos do realizador Woody Allen, nada como ficar à espera, com alguma ansiedade, de uma história de amor, que bem poderia ser a nossa.

Pedro Xavier

Ciclo Kurosawa

2008-09-17T19:07:00.003+01:00

No Samuel Goldwyn Theatre, em Los Angeles, decorre o tributo ao realizador japonês Akira Kurosawa, cuja estreia foi marcada pela apresentação da novíssima cópia restaurada da obra-prima Rashomon (1950). Enquanto pela América se fazem tributos patrocinados pela Academia (Association of Motion Picture Arts and Sciences), aqui neste pequeno Portugal só poderemos contar com duas instituições (públicas, claro está) para realizar este género de eventos: primeiro, a Cinemateca Portuguesa; segundo, a RTP2. Esta última instituição de utilidade pública apresenta, desde o início de Setembro, algumas das mais marcantes obras de Kurosawa: Cão Danado (Nora Inu) e Os Sete Samurais (Schichinni No Samurai) já foram; O Trono de Sangue (Kumonnosujo) e A Fortaleza Escondida (Kakushi Toride No San Akunin) serão os próximos, ao sábado à noite, como sempre, na sessão dupla.
Pedro Xavier

Viva La Vida

2008-09-17T10:47:00.005+01:00

Se for possível, “Viva la Vida” parace indicar uma evolução qualitativa. Sim, é possível! Este álbum, o quarto da banda de Chris Martin e companhia, surge 3 anos após “X&Y”, numa altura em que os Coldplay precisaram de alguma reflexão e redefinição. “X&Y” (2005) não foi nada equiparável ao sucesso estrondoso de “A Rush of Blood to the Head” (2002), o segundo da discografia da banda. Para não seguirem as passadas anteriores, contaram com a colaboração do produtor dos U2, Brian Eno, para os guiar por novos caminhos e direcções... e o resultado está à vista!

Desde “Life in Technicolor”, passando pelo single homónimo “Viva la Vida”, até “Death and All His Friends”, a banda britânica formada em 1998 conseguiu compilar todas as suas virtudes num pacote bonito e agradável, com vista atingir um lirismo soberbo, entusiasmante e sentimentalista, acompanhado por tons completamente equilibrados. “Viva La Vida”, o disco, é experimental e alternativo: é um misto de algo antigo do trabalho dos Coldplay e algo de novo.

Dos discos anteriores manteve-se aquele tom épico que a banda de Chris Martin deu às músicas. “Viva la Vida” é exemplo disso. “Violet Hill”, o outro single, é rock desordenado, ingovernável e indomável. É revolta… e está tão boa a música! “Strawberry Swing” leva-nos a tempos idos, medievais, com ritmos de tambores a fazer percussão e uma guitarra a dar um tom do campo, rústico, como uma cítara. Esta é capaz de ser a música mais refrescante e luminosa de todo o disco.

Estamos quase no final do disco, no entanto já passámos por “42” a mais melancólica de “Viva La Vida”. Calma, começa com um piano e a voz suave de Chris (faz lembrar John Lennon). De repente muda, temos uma longa sequência instrumental, electrónica, e eis que surge, num tom misto de alegria e tristeza «You thought you might be a ghost/You didn’t get to heaven but you made it close!». Sem nos apercebermos que acabou, já estamos a ouvir “Lovers in Japan-Reign of Love”, e por favor, sem mais ilusões ou enganos, estamos perante Arcade Fire (e isto não é uma crítica negativa), excepto a voz de Chris. Por fim, “Death and All His Friends” leva os Coldplay ao limite, põe a banda toda a cantar «I don't wanna follow death and all of his friends!», numa despedida digna de fazer parte de uma banda sonora de um filme.

O sucesso de "Viva La Vida" é merecido pois estamos perante uma das melhores bandas pop/rock de sempre.

Pedro Xavier

MI6 Declassified

2008-09-16T13:40:00.000+01:00

Em ano Bond não passa ao lado qualquer novidade, principalmente quando Quantum of Solace está tão perto de estrear. Lá fora, mais precisamente por terras de Sua Majestade, acabou de sair a terceira edição de MI6 Declassified, uma revista a cores que celebra com pompa e circunstância todo o universo de James Bond. E o que traz esta edição, para gáudio dos fãs do herói criado por Ian Fleming? Novidades sobre o novo jogo da Activision com o título do mais recente filme, uma retrospectiva sobre o making of de Dr. No (a belíssima Ursula Andress na capa), artigos e fotos de Quantum of Solace e muito mais para abrir o apetite a qualquer fanático das aventuras do herói britânico. Para encomendar é só carregar aqui. Por agora, fiquemos com o trailer de Quantum of Solace.

Pedro Xavier

Reflexos

2008-09-16T12:51:00.002+01:00

Dividir um poster em dois e usar a parte debaixo como reflexo que revela um carácter diferente da personagem do filme em questão, tornou-se uma maneira popular de criar e apresentar um poster. Já tínhamos conhecido The Life Before Her Eyes e o poster de Mirrors, o único que representa literalmente um reflexo. Em Flashbacks of a Fool (Baillie Walsh, 2008) o reflexo mostra uma versão mais nova da personagem interpretada por Daniel Craig (Casino Royale, Quantum of Solace, The Golden Compass) enquanto em Leaves of Grass (Tim Blake Nelson, 2009) é-nos dado um alter-ego (rumores apontam para que seja um gémeo) da personagem interpretada por Edward Norton (The Incredible Hulk, Fight Club, Red Dragon).

Pedro Xavier

Na Mouche

2008-09-15T17:56:00.007+01:00

Não sei o que terá passado pela cabeça de David Cronenberg (Eastern Pomises, A History of Violence, eXistenZ), mas foi no passado dia 7 de Setembro que estreou na sala de espectáculos LA Opera, em Los Angeles, a adaptação para teatro/ópera do vencedor do Oscar de 1986 na categoria de Best Makeup e nomeado na categoria de Melhor Filme no festival do Fantasporto, The Fly (A Mosca). A banda sonora está a cargo de Howard Shore (The Lord of the Rings, Eastern Promises, The Aviator, Gangs of New York, Panic Room) que também na década de 70 foi responsável pela sonoplastia do filme homónimo de Cronenberg.

Bem a propósito, a Cinemateca Portuguesa apresenta o filme esta terça-feira, dia 16, às 21h30. Como se costuma dizer, foi na mouche.

Pedro Xavier

O Regresso da PREMIERE

2008-09-15T17:50:00.005+01:00

A notícia surgiu no sítio da Briefing, na internet, e logo como que por milagre da multiplicação, rapidamente foi divulgada pelos inúmeros blogs cujos blogers, com todo o gosto, dedicam grande parte do seu tempo, por profissão ou meramente como hobby, à análise de uma arte, a sétima por sinal.

Não o tínhamos divulgado primeiro, por uma questão de timming e também com o intuito de salvaguardar as expectativas dos inúmeros fãs desta revista de cinema, a única escrita em Português de Portugal e comercializada neste pedaço de terra à beira mar plantado.

Desde já ficam aqui as felicitações ao Francisco Silva, colaborador e co-fundador do Arte Revisitada, pela missão que tem pela frente como «único redactor» da Premiere, a par com vários colaboradores, de trazer, um ano depois, a revista de que todos gostamos.

Pedro Xavier

Global Groove

2008-08-27T14:51:00.006+01:00

Em todo o universo da Video Art, há um nome absolutamente obrigatório de reter: Nam June Paik. Considerado por muitos como o primeiro video artist, este sul-coreano trabalhou, durante toda a sua vida, com uma quantidade enorme de media.

Treinado como pianista clássico, Paik estudou música na Universidade de Tóquio e na Universidade de Munique. A música, mesmo que apenas como mera representação física, esteve sempre muito presente nos trabalhos de arte electrónica deste artista.

Na sua primeira exposição, Exposition of Music - Electronic Television (1963), na Galeria Parnass em Wuppertal, Paik mostrou como a televisão era facilmente manipulável, fazendo história.

Quando, em 1964, foi para Nova Iorque, realizou um conjunto invejável de performances com a violoncelista Charlotte Moorman, sempre em volta do tema música - video.

A sua conhecida escultura TV-Cross (multi-televisão de vídeo) foi aumentada para, em 1988, fazer uma torre de media constituída por 1003 monitores, aquando dos Jogos Olímpicos de Seul.

Uma das maiores invenções de Paik foi, por volta de 1970, juntamente com o engenheiro electrónico Shuya Abe, o desenvolvimento de um sintetizador de video. A partir dali, a possibilidade de alterar a estrutura básica da imagem electrónica permitiu a Paik fazer um número infindável de experiências extremamente interessantes.

Em 1974, cria uma das suas primeiras instalações de feedback, com o nome de TV-Buddha.

É então que surge Global Groove. Encomendado ainda no decorrer da Guerra do Vietname, é um trabalho que liga 21 sequências de diferentes áreas culturais, com material de estações de televisão pública e excertos do próprio trabalho de Paik. Com uma estética de videoclip, o audio não pode ser entendido separado do video, nem vice-versa.

A quem estiver interessado em conhecer melhor o trabalho de Nam June Paik, o seu site oficial:

www.paikstudios.com

Sara Toscano

Belle de Jour

2008-08-27T00:17:00.006+01:00

Belle de Jour é uma obra francesa, do aclamado realizador Luis Buñuel, datada de 1967, com a bestial Catherine Deneuve no papel principal.

Com um título algo irónico (uma subtil referência ao termo 'belle-de-nuit', que significa prostituta em francês), este filme conta-nos a história de uma mulher que decide passar as suas tardes num bordel, como prostituta, enquanto o marido trabalha.

Todo o teor erótico reside apenas e somente na imaginação de Séverine Serizy (a personagem principal) que, embora não consiga ter contacto físico com o marido, tem fantasias masoquistas muito regulares que, de alguma forma, a intimidam. Decide, no entanto, dar aso a esses desejos contidos, e procura o bordel de Madame Anais (Geneviève Page), onde trabalha algumas tardes, apenas durante o horário de trabalho do seu marido Pierre Serizy (Jean Sorel).

O arco da personagem principal é extremamente interessante, passando de uma pessoa apagada e reprimida a alguém confiante e radiante. E ainda que o destino, no clímax do filme, não lhe sorria, Séverine mantém a compostura e nunca deixa de ser uma daydreamer.

Buñuel é um mestre no que toca a fazer filmes que nos falem sobre os segredos da natureza humana. Neste caso, é de realçar as passagens feitas entre os sorrisos de Deneuve e as divagações selvagens e sexuais da sua fértil imaginação.

Há, igualmente, uma profunda crítica à sociedade burguesa, implicita nas entrelinhas, em diversas cenas.

O filme foi premiado no Festival de Veneza, em 1967.

Sara Toscano

Bambi

2008-08-25T21:56:00.003+01:00

Bambi é uma das primeiras produções da Walt Disney, datada de 1942. Adaptado do romance de Felix Salten - Bambi, a Life In The Woods - conta-nos a história de um veado, dos seus pais e dos seus amigos, que vivem todos juntos na floresta.

Este filme tem algo de extraordinário: é uma obra extremamente musical. Durante todo o filme, belíssimas notas musicais complementam (com mestria) as imagens animadas, dando-lhes sentido, conferindo uma beleza extra a todo o sentido da história.

O enredo, sendo acima de tudo para crianças, fala da vida e da morte, do amor, da maldade humana, das estações do ano e da vida animal, de forma inocentemente doce e singela.

A dobragem da voz do personagem principal, o veado Bambi, foi feita por Bobby Stewart (o bébé), Donnie Dunagan (a criança), Hardie Albright (o adolescente) e John Sutherland (o adulto).

Embora tenha sido bem recebido pelo público, foi um filme criticado como inapropriado para crianças (o seu público-alvo) pela morte da mãe de Bambi e pela "violência" das cenas de caça, pelo ataque dos cães e pelo incêndio que deflagra na floresta.

Em 2006 surge Bambi 2, a sequela (que não chegou a ir para as salas de cinema) que desenvolve a elipse temporal que existe no primeiro filme, quando a mãe de Bambi morre e ele acompanha o seu pai para o coração da floresta.

Definitivamente, um clássico de animação!

Sara Toscano

Andy Warhol - a Mirror To The World

2008-08-24T23:01:00.009+01:00

"He was the most American of artists, and the most artistic of Americans" é uma das frases com que começa o documentário Andy Warhol - a documentary film, que tive oportunidade de ver muito recentemente.

Andrew Warhola nasceu a 6 de Agosto de 1928, e é hoje considerado a figura central do movimento da Pop Art. Começando por fazer ilustrações, desenhos de cartazes publicitários e de sapatos (publicados na revista Glamour), Warhol apenas se torna mundialmente conhecido mais tarde, pelo seu trabalho enquanto pintor, escritor, cineasta avant-garde, produtor musical e figura pública.

Este artista é extremamente interessante, não apenas pelas suas inúmeras obras, mas também pela sua personalidade peculiar, por aquilo que ele foi enquanto pessoa, pela forma como cresceu, como desenvolveu a sua arte, como chegou onde chegou... "Andy was Pop, and Pop was Andy".

Em Warhol, a arte é tornada banal e vulgar, é um produto mediático e industrial. Aquela que, para ele, era uma "arte elitista" cai nos meandros do quotidiano.

Desde cedo que Andy Warhol mostrou alguma queda para as artes plásticas. Entre 1945 e 1949, estudou artes gráficas aplicadas, curso que abandonou devido a uma doença. Mas é à sua mãe, Ulja Warhola, que o artista deve o desenvolver dessa capacidade, pois foi sempre ela que muito o incitou e apoiou. Nesta altura, Andy pintou alguns quadros que representavam situações psicológicas, ainda que de forma algo infantil.

Foi em Nova Iorque que Warhol começou a trabalhar. A sua primeira grande influência e inspiração veio do escritor Truman Capote, por quem o artista nutria uma grande admiração, chegando quase a persegui-lo. Ainda fez algumas ilustrações para os romances de Capote.

Começou, então, a trabalhar por conta própria e a executar encomendas. Servia-se muito de superfícies coloridas, nos seus trabalhos, para dar uma impressão viva e estilística.

Os seus primeiros quadros, datados de 1960, têm como temas centrais a banda desenhada e a publicidade.

O que marcou igualmente a sua obra, foram as mortes de Marylin Monroe e John F. Kennedy. Warhol começa a criar as suas muito conhecidas serigrafias. A morte e a tragédia passam a ser um tema recorrente nos seus trabalhos, ligados ao conceito dos "15 minutes of fame" (pelos meios de comunicação, ávidos do sensacionalismo).

A par disto, Andy Warhol (que queria chegar a Hollywood a todo o custo) começou a fazer filmes que, observados posteriormente, se revelaram de uma maturidade incrivelmente genuína. Títulos como Sleep (onde se pode ver o poeta John Giorno a dormir, durante 6 horas - um estudo brilhante sobre o tempo real vs. tempo sonhado), Blow Job (plano único de 35 minutos da cara de DeVeren Bookwalter, supostamente a receber sexo oral, sem que nunca haja um tilt da câmara para mostrar o que realmente se passa), Eat (um homem a comer um cogumelo durante 45 minutos). Todos estes primeiros filmes do artista, são uma representação do tempo, do real, do que é tido (para ele) como normal, mostrado, no entanto, com uma plasticidade incrível, tão própria e característica.

É na década de 60, que Warhol adopta a banda The Velvet Underground, transformando-se no seu manager e criando toda a album art. Depois de lançarem o primeiro album, The Velvet Underground and Nico (muito conhecido como 'The Banana LP'), Lou Reed e Warhol desentenderam-se acerca do futuro da banda, acabando assim a parceria.

Andy Warhol detinha a simplicidade de um artista, um artista de ideias, um artista que casava a forma e o conteúdo como ninguém. Com ele, tudo se tornou Arte.

"Andy Warhol was a mirror to the world".

Sara Toscano

Poster - Rosemary's Baby

2008-08-23T09:12:00.001+01:00

O poster de A Semente do Diabo (1968) mostra-nos um carrinho de bebé. Nenhum outro significado, para além da inocência, poderia ser atribuído a este simples objecto… então porque é tão assustador? O factor arrepiante do poster reside no uso da cor verde, escura por sinal, e na cara de Rosemary (Mia Farrow), de olhar vazio e sem alma. Não é só pela abordagem satânica que o filme provoca pele de galinha, mas também pela perda da confiança no marido (John Cassavetes) e nos amigos. Sobressai, pois, o medo visceral de nos sentirmos sozinhos.

Rosemary’s Baby de Polanski aborda o tema do satanismo a um nível sobrenatural, com especial foco no universo mitológico dos adoradores do demónio. Por outro lado, O Exorcista só iria surgir anos mais tarde (1973), levando o tema do satanismo a um nível muito mais físico e teológico.

Pedro Xavier

Beauty and the Beast (1991)

2008-08-23T06:00:00.009+01:00

Foi a propósito do mais recente filme da Disney/Pixar, Wall.E, que me surgiu a seguinte questão: que outro filme de animação, na sua realidade espácio-temporal, teve semelhante impacto no público, na crítica, na indústria de animação? É verdade que o ano passado foi-nos dado um novo rato, desta vez um rato cozinheiro, de orelhas pequenas e sem um fato-macaco encarnado. Ratatouille foi um óptimo filme, sem dúvida! É melhor que Wall.E? A que nível? Haverá outro melhor? Recuemos então mais uns anos.

O clássico de Walt Disney de 1991, A Bela e o Monstro, não só é um dos melhores e mais bem conseguidos filmes de animação de sempre, como também merece, à semelhança do que actualmente acontece para Wall.E, um lugar de destaque numa lista dos melhores filmes da história do cinema. Apesar de não ter sido a maior produção dos estúdios mágicos da Disney, nem o mais recordado pelos miúdos (O Rei Leão detém aqui as honras), A Bela e o Monstro recebeu, no entanto, as mais entusiastas críticas, sendo reconhecido através da nomeação de um Oscar na categoria de Melhor Filme (nesse ano ganhou Unforgiven de Clint Eastwood). A Disney soube logo à partida estar perante um sério candidato a vencedor e, sem qualquer precedente na história do cinema, apresentou no festival de cinema de Nova Iorque 70% da animação. A calorosa recepção fez criar uma sensação euforia à volta de uma animação que não se via desde a Branca de Neve e os Sete Anões (1937).

Irresistível é dizer pouco do filme, porque cada frame está repleta de uma magia rara, quer estejamos a falar num filme de animação ou não, onde todos os elementos estão colados na perfeição, elevando o nível de qualidade que A Pequena Sereia estabeleceu em 1989.

O conto da Bela e do Monstro já é antigo. Os magos da Disney pegaram na história, deram-lhe um tom muito próprio, modernizando-a: Belle é uma feminista, com vontade própria, independente, forte e esperta; todos os objectos do castelo encantado, desde candelabros, relógios e chávenas, estão vivos e têm vozes e personalidades muito distintas. Por fim, a fera (na minha versão em VHS o filme é dobrado em Português do Brasil), outrora foi um belo príncipe que, amaldiçoado a ficar um monstro até ao final dos seus dias caso não aparecesse alguém que o amasse, não obstante a sua aparência, reina o castelo impondo o terror aos habitantes da aldeia mais próxima. Com a chegada de Belle, invade-lhe um misto de emoções: esperança que ela seja a escolhida para quebrar o feitiço e medo que ela o rejeite pela sua horrível aparência. Debaixo desta capa de terror, bate mais forte um coração, revelador da natureza do verdadeiro herói quando Belle se encontra em perigo e o Monstro arrisca a sua vida para a salvar.

O verdadeiro chamariz desta animação reside, não só nos novos efeitos especiais da época, mas também nos números musicais do filme. A sequência do baile, que mistura animação por computador com o clássico desenho à mão, é a melhor cena, em termos técnicos, de todo o filme. As outras sequências musicais podem ser igualmente comparáveis à do baile. Alan Menken e Howard Ashman (ambos de A Pequena Sereia) são mesmo os responsáveis pelo sucesso desta animação. Com toda a energia e audácia levam-nos para a Broadway, de onde retiram todas as regras para a elaboração de uma receita há muito esquecida nos anos 50/60, que é chamada de filme musical. Temos a canção inicial “There’s Belle”; “Gaston”, o tema do vilão; “Be our Guest”, com os utensílios de cozinha a cantar e a dançar; “Mob Song”, no ataque da população enraivecida ao castelo e o clássico “Beauty and the Beast”.

Não só somos transportados para a Broadway como também A Bela e o Monstro importa referências fílmicas muito marcantes na história do cinema. Ao jeito de homenagem, destacam-se, no mínimo, três clássicos: Citizen Kane, pelo castelo gótico nas cenas iniciais; The Sound of Music, quando Belle corre por verdes colinas, ao deixar para trás a sua aldeia ao longe e Frankenstein, no final, aquando a invasão do castelo é liderada por Gaston.

Combinando todos estes elementos, Beauty and the Beast, é uma mistura perfeita de romance, música, invenção e animação, num filme que não é só para miúdos, mas também para graúdos. Está para 1991 assim como Wall.E está para 2008: uma obra-prima!

Pedro Xavier

A Morte de Ivan Ilitch

2008-08-22T11:38:00.008+01:00

Em A Morte de Ivan Ilich, de Lev Tolstoi, a personagem principal, Ivan, funcionário público do sistema judicial da Rússia czarista, leva uma vida de dor física, resultado de uma angústia mental que o consome. A doença fá-lo passar por diversos sintomas, muitos devido ao stress mental a que está sujeito, no entanto, nunca descobre que a origem do seu sofrimento é essencialmente interna. É descrita como a repressão e a resistência a uma determinada ideia pode ter como consequência o sofrimento físico. O próprio Ivan reconhece que o seu corpo reagiu à dor vinda de fora (infligida por outros) e concentra-se na cura através da psicanálise, para além de se tentar curar pela medicina conhecida.

A primeira era da vida de Ivan é vivida repleta de contentamento mas, quando entra na idade adulta, sucumbe à pressão social de ter de se casar. Casa com uma mulher chamada Praskóvia Fiódorovna, “de boa família” e com “algumas propriedades em seu nome”, que afirma estar perdidamente apaixonada por ele, apesar da falta de paixão recíproca. Ivan é indiferente ao casamento e à sua nova mulher, não está particularmente entusiasmado mas também não é tiranizado por ele. O casamento acaba por se tornar uma maneira de viver, como qualquer outro hábito. Depois de descobrir um lado mais desagradável na persona de Praskóvia, chega à conclusão de que estará preso àquele casamento até ao fim dos seus dias. À procura de uma fonte alternativa de felicidade, focaliza grande parte dos seus dias na sua carreira, para se afastar daquela amarga situação que faz parte da sua vida. A reviravolta na história ocorre quando, ao decorar a nova casa que o seu cargo lhe permite ter, ao subir o escadote, «recuou e caiu, mas como homem forte e ágil, segurou-se e apenas chocou de flanco contra o fecho de uma janela». Pouco a pouco, a doença resultante da queda torna-o incapaz de desfrutar as riquezas e o convívio em sociedade que os anos de esforço e a consequente ascensão social lhe haviam sido oferecidos.

Deste ponto para a frente, Ivan passa por episódios incrementalmente dolorosos à medida que envelhece e torna-se ainda mais descontente com a sua vida familiar. Aquilo que começou por «um gosto estranho na boca e um certo desconforto no lado esquerdo do ventre», expandiu-se em dores insuportáveis que intoxicam o seu corpo, começando pelo peito e que, por vezes, o levavam à total imobilização, acompanhada por uma irritante irritabilidade. O seu sofrimento faz com que reflicta sobre a efemeridade da vida e a inevitabilidade da morte. A solução apresentada para se ultrapassar a dor física é viver a emoção de uma memória reprimida, verbalizando-a. Ao confrontar os pensamentos desagradáveis dessa memória à situação dolorosa que se vive, uma pessoa é capaz de superar desse momento traumático e tornar mais suportáveis os sintomas de doença física. A fonte inconsciente da doença, manifestada pela dor física, acaba por torturar interminavelmente Ivan Ilitch. Tivesse ele reconhecido que a sua dor era obra da sua miserável vida familiar, a sua consciência teria sido aliviada deste ressentimento reprimido.

Conhecido pelos seus romances Guerra e Paz e Anna Karenina, Lev Tolstoi é considerado um dos maiores escritores do século XIX. Os seus contemporâneos olharam para obra como uma crítica a um certo materialismo banal e hipócrita que regia a sociedade russa da época. A personificação de tal crítica é apresentada, não só pelos colegas de profissão, mas essencialmente pela mulher de Ivan, que o crítica implacavelmente a partir do momento em que o vê enfermo numa cama.

O destino de Ivan não só é apresentado no título da obra assim como, imediatamente, no primeiro capítulo, passado na casa do falecido, onde se desenrola o velório. A estrutura narrativa é de tal forma encadeada de maneira a manter o interesse do leitor sempre desperto até ao desfecho final. A universalidade da temática da morte é responsável por uma identificação imediata do leitor com os episódios da doença de Ivan, uma vez que são experiências comuns a todos os seres humanos.

A Morte de Ivan Ilitch é uma obra sobre a enfermidade espiritual, o sofrimento físico e a superação pelo crescimento e salvação moral através da redenção pelo sofrimento, até se alcançar a verdade.

“- E a morte? Onde está ela?

Procurava o seu habitual medo, o anterior medo da morte e não o encontrava. Onde está ela? Qual morte? Não tinha medo nenhum, porque também não havia morte.

Em lugar da morte havia uma luz.

- É então isto! – disse ele de súbito em voz alta. – Que alegria!”

Tal como diz António Lobo Antunes no prefácio da edição da Dom Quixote, A Morte de Ivan Ilitch é “uma das maiores obras-primas do espírito humano” e coloca a dúvida: “trata-se de uma obra sobre a morte ou de uma obra que nega a morte?”.

Pedro Xavier

Flavors of Entanglement

2008-08-20T18:27:00.002+01:00

Flavors of Entanglement é o título do sétimo álbum da cantora canadiana Alanis Morissette, produzido por Guy Sigsworth.

Segundo a artista, o álbum tem algo de muito similar com o de 2004, So-Called Chaos. É central e visível a afirmação 'Holy shit, I am a broken woman'. De facto, a maioria das letras das músicas falam das suas relações pessoais que, segundo Alanis, "it's the only thing I can really comment on with any kind of conviction or authority". Algumas envolvem, também, um certo conflito político, que a cantora liga muito aos seus sentimentos, à sua maneira de ver e encarar as coisas.

Moratorium é uma (belíssima) faixa que serve como uma declaração de "há certas coisas más que não volto a repetir na minha vida"; Not As We é uma balada triste sobre alguém que deixou de resistir a uma recaída emocional; Underneath fala-nos de falhas de comunicação, enquanto Citizen of The Planet proporciona uma viagem pelo Mundo, vista pelos olhos da artista.

Com um estilo muito próprio e sempre facilmente identificável, este álbum tem, no entanto, uma diferença para todos os precedentes: uma veia electrónica algo carregada. Segundo Alanis, a sua paixão pela dança levou-a a incorporar alguns hip hop beats juntamente com organic instruments, numa fusão tremendamente arrebatadora.

É, sem sombra de dúvida, um álbum absolutamente obrigatório.

Sara Toscano

Young People Fucking

2008-08-20T17:51:00.003+01:00

Esta brilhante comédia romântica de 2007, realizada, escrita e produzida por Martin Gero e Aaron Abrams, fala-nos da necessidade actual de separar amor e sexo. Nas palavras de Gero: "We're saying, 'Listen, people our age. This is really hard to do without being emotionally involved.'"

O filme intercala as histórias de cinco casais diferentes, durante os seus "encontros sexuais" e as suas tentativas e esforços (todos diferentes) que acabam por falhar miseravelmente.

Inteligentemente dividido em capítulos elucidativos (Prelude, Foreplay, Sex, Interlude, Orgasm e Afterglow), cada um dos casais passa por estes diferentes estágios, quebrando com os arquétipos a que estão associados, ao serem inicialmente rotulados como:
1- The Best Friends
2- The Couple
3- The Exes
4- The First Date
5- The Roommates

O título é enganador, na medida em que se pode estar à espera de ver mais um teen movie ou algo no género, sendo que o filme supera as expectativas com um humor ligeiro (mas certeiro) e um toque pessoal. As personagens são bem apresentadas (e de forma rápida), dando-nos o suficiente da sua backstory através dos diálogos, para uma fácil compreensão das suas reacções, não sendo, de todo, minimamente previsível.

Recomenda-se.

Sara Toscano

An Inconvenient Truth

2008-08-19T22:50:00.006+01:00

Um documentário americano sobre o aquecimento global, exposto por um ex-Vice Presidente dos EUA (Al Gore). Um verdadeiro sucesso de bilheteiras.

"You look at that river gently flowing by. You notice the leaves rustling with the wind. You hear the birds; you hear the tree frogs. In the distance you hear a cow. You feel the grass. The mud gives a little bit on the river bank. It’s quiet; it’s peaceful. And all of a sudden, it’s a gear shift inside you. And it’s like taking a deep breath and going... 'Oh yeah, I forgot about this'."

Assim começa An Inconvenient Truth, realizado por Davis Guggenheim. Dado sob a forma de uma aula, o documentário foca-se nos esforços de Al Gore que, viajando pelo mundo inteiro, dá palestras para educar o público no sentido de prevenir a crise climática.

"I've been trying to tell this story for a long time and I feel as if I've failed to get the message across."

O discurso de Gore é permeado pelas suas histórias de infância, que foram mudando bruscamente a sua forma de ver a vida. E seguindo uma apresentação Keynote, vai expondo a opinião científica acerca das mudanças climáticas, das suas consequências naturais (com um grande relevo para as imagens chocantes da devastação pós-Katrina) e das consequências políticas e económicas.

Com algum humor à mistura, Gore apresenta um clip de Futurama (episódio "Crimes of the Hot") para explicar o que é o aquecimento global.

O filme recebeu um número elevado de prémios, sendo de reter que foi o primeiro documentário a receber o Óscar para melhor música original (Melissa Etheridge's I Need To Wake Up).

A frase "Are you ready to change the way you live?" precede, já nos créditos finais, a publicidade ao site www.climatecrisis.net.

"What we take for granted might not be here for our children"...

Sara Toscano

The L Word

2008-08-19T17:15:00.006+01:00

Esta série de televisão retrata a vida íntima e social de um grupo de lésbicas, bissexuais e transgéneres, das suas famílias, amigos e amantes.

Criado e produzido por Ilene Chaiken (The Fresh Prince of Bel-Air), Steve Golin (Being John Malkovich, Eternal Sunshine of the Spotless Minds) e escrito por Guinevere Turner e Rose Troche, o piloto foi para o ar a 18 de Janeiro de 2004 e está prevista que a sexta e última temporada estreie a 4 de Janeiro de 2009.

Uma das características mais fantásticas desta série é o trabalho das personagens. Estamos, sem sombra de dúvida, perante um character-driven show. Cada uma delas é extremamente forte e convincente, sendo que não há uma única personagem igual ou idêntica a outra.
Bette Porter (Jennifer Beals), a lésbica de descendência africana, com um Art History Major de Yale, viciada em trabalho, assumindo o papel do homem em casa;
Tina Kennard (Laurel Holloman), a lésbica passiva que vive com Bette, cujo maior desejo é ser mãe. Com esse desejo realizado (nasce a Angelica Kennard), começa a procurar alguma independência e questiona a sua homossexualidade;
Kit Porter (Pam Grier), meia-irmã heterossexual de Bette, é cantora e dona do café The Planet (onde o grupo se reúne diariamente). O seu passado conturbado levou-a a refugiar-se no álcool, coisa que, mais tarde, consegue ultrapassar;
Shane McCutcheon (Katherine Moennig), a lésbica que vive as relações como um homem, tendo dormido com mais de mil mulheres, estragando sempre aquelas que se começam a encaminhar (Shane não gosta de compromissos). É uma cabeleireira famosa, uma pessoa impulsiva, mas vista por todas como a melhor amiga e confidente;
Carmen Morales (Sarah Shahi), a lésbica latina que quase consegue roubar o coração de Shane. É DJ e tem uma personalidade muito vincada, com variações constantes de humor e disposição;
Jenny Schecter (Mia Kirshner), a lésbica judia com tendência para o desequilíbrio psicológico, frágil e demasiado self-centered, que aspira a ser escritora;
Alice Pieszecki (Leisha Hailey), a única bissexual assumida do grupo (embora simpatize mais com relações lésbicas), é uma jornalista descomplicada, que vive obcecada com a sua teoria sobre relacionamentos, que leva à criação da The Chart, uma rede de relações humanas e one-night stands, para provar que "everyone is sleeping with everyone else";
Dana Fairbanks (Erin Daniels), a lésbica desportista (tenista profissional) que, embora esteja bem ciente da sua tendência homossexual, tem uma enorme dificuldade em assumir-se, com medo da reacção da sua família (que nunca chega a aceitar);
Helena Peabody (Rachel Shelley), a lésbica doce e inocente que usa o seu dinheiro (é extremamente rica) para ajudar os outros, sendo muitas vezes enganada;
Moira/Max Sweeney (Daniela Sea), a lésbica que nunca se sentiu bem no corpo de mulher, sendo o seu sonho mudar de sexo. Pretende a todo custo ser vista como um homem, sendo, muitas vezes, ridicularizada (especialmente por homens).

Este é o núcleo principal de personagens das três primeiras temporadas. Mesmo sendo muitas, é de notar como elas nunca se atrapalham ou canibalizam; muito pelo contrário, elas complementam-se, encaixando umas nas outras quase na perfeição.

A série é filmada em Vancouver, nos Coast Mountain Film Studios, tendo cenários simples e sempre em conformidade com cada uma das personagens.

A banda-sonora (que já conta com 5 CD's) é uma compilação feita pela EZgirl, que conta com nomes como Ella Fitzgerald, Tracy Bonham, The Gossip, Shivaree e Portishead.

De reter, a letra da theme music, de Betty:

Girls in tight dresses
Who drag with mustaches
Chicks drivin' fast
Ingenues with long lashes.
Women who long love, lust
Women who give
This is the way
It's the way that we live...

Talking, laughing, loving, breathing, fighting, fucking, crying, drinking, riding, winning, losing, cheating, kissing, thinking, dreaming...

This is the way
It's the way that we live
It's the way that we live...
And love.

Imperdível!

Sara Toscano

Despida de Mim Mesma

2008-08-18T23:16:00.003+01:00

A um nível mais académico, Despida de Mim Mesma é o título de um trabalho de fotografia digital, realizado no âmbito de uma cadeira do curso de Cinema, Video e Comunicação Multimédia. Na memória descritiva desse mesmo trabalho, pode ler-se:

"Eu sou um anjo.
Eu não quero ser um anjo.
Quero ser uma pessoa comum, banal. Tiro as minhas asas, mudo o meu cabelo, dispo o meu vestido... Quero tocar a minha essência, despindo-me da minha aparência. Quero amar-me. Eu não existo e quero existir.
Mas de repente tenho frio. Está escuro. Tenho medo.
Apercebo-me que é inútil tentar modificar o que vejo. O que realmente importa é o que sinto. E as asas não pesam assim tanto...
Eu sou um anjo.
Nada no Mundo pode alterar a minha condição.
Continuo a poder voar..."

Sara Toscano

An American Tail - Fievel Goes West

2008-08-18T21:55:00.005+01:00

"Have no fear. Filly the Kid is here." É assim que começa a brilhante sequela de An American Tail, An American Tail - Fievel Goes West.

Ao aperceberem-se que, na verdade, as condições de vida em Brooklyn não são as esperadas (muito longe disso, como diz o pai de Fievel, "They call America the land of opportunity. Opportunity for what? For children to play in the filthy streets? To never see the sun shine?"), a família Mousekewitz decide partir em direcção ao Oeste, desconhecendo o maléfico plano do gato R.Waul e do seu bando de felinos esfomeados.

É esta a premissa para um filme de animação do mais completo e delicioso que há. Embora tenha sido um fracasso de bilheteiras na altura da sua estreia, foi mais tarde reunindo um generoso número de fãs devotos (aos quais orgulhosamente me junto).
Este filme guarda o segredo do verdadeiro significado de ser uma criança, e é jogando com isso e com um humor extremamente inteligente que nos consegue arrancar sorrisos constantes.

A banda sonora de James Horner é absolutamente fulcral, transmitindo ritmo onde é necessário, seja ele acelerado em partes repletas de acção, ou mais lento e melancólico em partes ternurentas.

Produzido por Steven Spielberg, este filme foi a primeira produção do Amblimation Animation Studio, uma colaboração entre a Universal Studios e a Amblin Entertainment.

"Just remember, Fievel - one man's sunset is another man's dawn. I don't know what's out there beyond those hills. But if you ride yonder... head up, eyes steady, heart open... I think one day you'll find that you're the hero you've been looking for. Maybe a real hero is the last one to hear about it."

Um filme para toda a família, absolutamente obrigatório.

Sara Toscano

Sweeney Todd - várias versões de uma história

2008-08-18T17:55:00.007+01:00

1400 - uma balada medieval francesa narra a história de um terrível barbeiro; esta balada era cantada pelas mães parisienses para amedrontar os filhos desobedientes.

1825 - a revista The Tell-Tale Magazine publica A Terrible Story of the Rue de la Harpe, a versão inglesa da história de um barbeiro assassino, recolhida dos Arquivos da polícia francesa.

1846 - a história de Sweeney Todd surge pela primeira vez em The String of Pearls, a Romance de Thomas Peckett Prest.

1847 - esta história de Peckett Prest é adaptada ao teatro por George Dibdin Pitt, em forma de melodrama; estreia no Britannia Theatre, em Londres, e o papel de Sweeney Todd é representado por Mark Howard.

1862 - uma nova versão teatral da história, da autoria de Frederick Hazelton, é apresentada no Bower Saloon em Lambeth e no Pavillion Theatre em Mile End; George Yates desempenha o papel de Sweeney Todd.

1926 - o melodrama de Dibdin Pitt é adaptado ao cinema em forma de comédia burlesca, num pequeno filme mudo do qual não resta nenhuma cópia.

1928 - com argumento baseado nos melodramas de Pitt e Hazelton, é rodado um segundo filme sobre Sweeney Todd, interpretado por Moore Marriott; nesta versão, Todd não é preso pelos seus crimes porque acorda no fim, descobrindo que tudo tinha sido um pesadelo.

1932 - a história de Sweeney Todd é adaptada a peça radiofónica, numa versão de J.P. Quaine.

1936 - surge o primeiro filme sonoro sobre Sweeney Todd, intitulado Sweeney Todd, The Demon Barber of Fleet Street, desempenhado por Tod Slaughter.

1945 - Tod Slaughter representa o papel do terrível barbeiro até à sua morte, em 1956; a popularidade da personagem dramática deve-se a este actor.

1959 - John Cranko faz a coreografia do bailado Sweeney Todd, com música de Malcolm Arnold.

1963 - a história de Sweeney Todd surge em romances como Devlin The Barber de B.L. Farjeon e em bandas desenhadas; a personagem aparece em Casas de Horrores e Castelos Fantasmas de feiras populares.

1965 - Com o título The Daydreamer in the Dark, a história de Todd integra a série de televisão Mystery and Imagination, centrando-se o conflito na consciência de Sweeney.

1968 - Christopher Bond, um jovem actor britânico, escreve uma nova versão de Sweeney Todd que estreia no Victoria Theatre.

1973 - a versão da peça de Christopher Bond é apresentada no Theatre Royal de Stratford East com encenação de Maxwell Shaw; o compositor norte-americano Stephen Sondheim assiste a este espectáculo e pensa adaptar a peça ao teatro musical.

1979 - Sweeney Todd, o Terrível Barbeiro de Fleet Street, um thriller musical de Stephen Sondheim, estreia a 1 de Março no Uris Theatre em Nova Iorque; é distinguido com os prémios do ano (Tony Awards) e o New York Drama Critics Circle Award para o melhor musical.

1980 - o musical estreia no Theatre Royal Drury Lane, em Londres, com encenação de Harold Prince; conquista também diversos prémios.

1984 - o musical passa a ser apresentado por companhias de ópera: a Houston Grand Opera e a New York City Opera.

1989 - dez anos depois da sua estreia na Broadway, o musical é reposto em Nova Iorque, com uma nova encenação de Susan H. Schulman.

1997 - o musical estreia em versão portuguesa, a 17 de Outubro, no Teatro D.Maria II em Lisboa, com encenação de João Lourenço, direcção musical de João Paulo Santos, Jorge Vaz de Carvalho como Sweeney Todd e Helena Afonso como Sra. Lovett.

1998 - John Schlesinger realiza um filme para televisão intitulado The Tale of Sweeney Todd, com Ben Kingsley.

2000 - em comemoração dos 70 anos de Sondheim, é gravada a versão de concerto do musical, pela New York Philarmonic Orchestra.

2004 - com os próprios actores a cantar e tocar a partitura em cena, o musical estreia no Watermill Theatre em Newsbury, com encenação de John Doyle.

2006 - Joshua St Johnson escreve uma versão de Sweeney Todd para a televisão (BBC), interpretada por Ray Winstone.

2007 - O realizador Tim Burton apresenta no Festival de Veneza alguns minutos da sua adaptação ao cinema do musical de Stephen Sondheim, com Johnny Depp, Helena Bonham Carter, Alan Rickman, Sacha Baron Cohen e Laura Michelle Kelly. A estreia do filme em Portugal deu-se em Janeiro de 2008.

(retirado da edição Relógio D'água)

Sara Toscano

Beowulf (DVD)

2008-07-30T08:00:00.001+01:00

O filme Beowulf de Robert Zemeckis pode ser visto de duas maneiras: sobre o que trata e como lá chega. A história do guerreiro viking Beowulf data de há séculos e foi passada de geração em geração até ser lida nas escolas. Adaptada por Neil Gaiman (“MirrorMask”) e pelo co-argumentista de Pulp Fiction Roger Avery, conta a viagem de Beowulf à Dinamarca com os seus cavaleiros, os Thanes, para vencer o monstro Grendel que aterroriza o reino do rei Hrothgar e como Beowulf enfrentou a tentação da sedutora mãe de Grendel.

Zemeckis conta a história de maneira tão atractiva que, desde o primeiro instante, nos prende a atenção. Através de animação de computador foto realista, o filme capta as texturas de maneira brilhante. A madeira do salão do rei Hrothgar, os dentes afiados e a carne de Grendel, o cabelo da rainha Wealthow, o líquido que escorre pelo corpo nu da mãe de Grendel e muito mais. A animação traz ainda elementos da lenda para a magnitude do grande ecrã, tais como a luta de Beowulf com o dragão.

É, no entanto, o elemento humano que mais causa perplexidade. Zemeckis conseguiu reunir um impressionante elenco de luxo para dar corpo e voz às personagens: Ray Winstone como o valente guerreiro Beowulf, Anthony Hopkins como o velho rei Hrothgar, Robin Wright Penn como a bela rainha Wealthow, Brendan Gleeson como o fiel tenente Wiglaf e Angelina Jolie como a bruxa sedutora e mãe de Grendel. Zemeckis usou tecnologia motion-capture – pôs os actores vestidos com fatos repletos de pontos, filmou-os e colocou a informação do seu movimento e posição em computador. Esta tecnologia já antes tinha sido usada em 2004 em Polar Express.

Beowulf, o filme, aparte os espantosos efeitos visuais e virtuoso elenco, não passa de um mediano filme de acção. O surpreendente na história está no argumento, na introdução da vulnerabilidade e da fraqueza humana por detrás da lenda. Desejo, traição e culpa fazem parte do centro psicológico de Beowulf, dando à luta final com o dragão algum significado freudiano. Já Woody Allen tinha dito em Annie Hall “Just don't take any course where they make you read Beowulf”.

Pedro Xavier

The Searchers - A Desaparecida (1956)

2008-07-29T08:00:00.001+01:00

O filme começa em 1868, no Texas, com um magnífico plano filmado através de uma porta a abrir-se para o deserto vermelho do Arizona (foi onde foi filmado) e para as formações rochosas que o caracterizam. A silhueta de uma mulher sai da escuridão da casa em direcção ao deserto para cumprimentar Ethan Edward (John Wayne), recém-chegado da Guerra Civil. Na casa vivem o seu irmão Aaron (Walter Coy) e a mulher Martha (Dorothy Jordan), o filho Ben (Robert Lyden) e as duas filhas Lucy (Pippa Scott) e Debbie (Lana Wood / Natalie Wood). É por Martha que Ethan está apaixonado, pelos gestos que demonstra, mas sem nunca o dizer.

O primeiro sinal do ódio de Ethan aos índios surge quando filho adoptivo Martin Pawley (Jeffrey Hunter) chega para jantar. Apesar de ser apenas 1/8 Cherokee, Ethan olha-o com desaprovação (rejeita-o como sobrinho) e goza-o por ter ascendência índia. O conflito interno de Ethan é ainda mais acentuado quando se sabe que foi Ethan quem o salvou de um massacre índio. John Wayne interpreta em A Desaparecida uma das suas mais complexas e enigmáticas personagens: o cowboy solitário, dominado pelo ódio aos Comanches, procurado pela justiça e com uma quantidade considerável de ouro.

Por terem saído à procura de gado desaparecido, Ethan e Marty não estão presentes quando o resto da família é massacrado num ataque índio. Sem se mostrar qualquer violência, John Ford cria nesta sequência o suspense necessário e explicativo do que virá a acontecer, num conjunto de cenas inteligentemente sequenciadas: um estranho silêncio ao anoitecer seguido de sons estranhos; um cão a ladrar nervosamente no alpendre; Aaron pega nervosamente na arma e diz à família que vai caçar antes do jantar; Martha diz às filhas para não acender as luzes de casa; esta situação culmina num estridente grito de Lucy quando se apercebe, apenas pelas medidas dos pais, que estão prestes a ser atacados por índios. Apenas Debbie consegue fugir da casa, refugiando-se atrás da lápide da sua avó. É aqui que é explicado ou onde é dada a única pista para o ódio de Ethan. Está inscrita a mensagem: “Here lies Mary Jane Edwards, killed by Comanches, A good wife and mother”.

O racismo de Ethan é óbvio e perturbante, tornando-se essencial para o desenrolar da história. Após anos e anos de perseguição ao chefe comanche Scar, responsável pelo massacre e pelo rapto de Debbie, quando finalmente Ethan a encontra não se sabe se a vai matar ou não. Afirma que mais vale estar morta do que viver como uma Comanche. Para além de arqui-inimigo, em Scar é representado o alter-ego do herói. Scar teve Martha antes de a matar e, por isso, ao mesmo tempo Ethan odeia-o e inveja-o.

Ethan tem ainda outras reacções: abate búfalos com a desculpa de que não poderão servir para alimento dos Comanches naquele Inverno e ainda atira sobre índios mortos. Outros sinais de racismo são demonstrados, por outras personagens, revelando o pior que os westerns dos anos 50 tinham.

No entanto, isto significa que The Searchers – A Desaparecida não vale a pena de ser visto? Claro que não! A Desaparecida de John Ford é, sem sombra para dúvidas, um dos maiores westerns de sempre, repleto de belíssimas fotografias do velho Oeste americano, tem uma temática ainda actual e uma personagem profunda: John Wayne é um colosso magnífico numa grande interpretação, num papel contraditório e problemático, em torno do qual o filme gira, mas apaixonante por conseguir captar a nossa atenção.

Pedro Xavier

Poster - Blowup (1966)

2008-07-28T08:00:00.001+01:00

Blow Up – A História de um Fotógrafo foi o único sucesso comercial de Antonioni. Ganhou o primeiro prémio em Cannes, a Palma de Ouro, o prémio de melhor filme da National Society of Film Critics e nomeações para o Oscar de Melhor Realizador e Argumento.

Através da máquina fotográfica (ou, caso se queira, através da câmara de Antonioni), há a descoberta do motivo, há a falsa sugestão de se resolver um crime e o impacto da dedução errada. O fotógrafo Thomas (David Hemmings) é um fotógrafo profissional de grande sucesso. No seu estúdio fotografa a modelo Verushka. Tal como se vê na imagem, imitam os rituais de namoro e acasalamento de homens e mulheres, mas a relação a transitória e falsa, tal como tudo o que lhe acontece. Thomas demonstra uma falta de interesse por tudo o que lhe rodeia: um álbum de fotografias inacabado; sessões de fotografia a modelos de ressaca; adolescentes que querem ser modelos; sexo oferecido em troca de um misterioso rolo de fotografias.

É partir disto que Thomas ganha algum alento para a sua vida (bebe, droga-se permanentemente e é supostamente divorciado?). Por não saber o que contém o rolo que fotografou, revela as fotografias e amplia-as (blow up). Um factor de destaque é o da tecnologia e a sua incerteza. A dita permite ao protagonista invadir a privacidade alheia, moralmente condenável. No entanto, o artista ou a personagem é forçada a ver ou a questionar-se se o que realmente viu aconteceu. Daí que o seu quarto escuro se torne numa lente de ampliação da realidade.

Aquando o desfecho do filme, o cadáver que Thomas vê nas fotografias já não existe e, como já não nada vê (existe), alinha num jogo de mimos atirando uma bola fictícia a dois jogadores de ténis, desaparecendo da imagem ao fundo do parque.

Pedro Xavier

Esta Semana no Cinema...

2008-07-25T21:56:00.006+01:00

O texto seguinte foi publicado no blog Deuxieme a 25 de Julho de 2008, com o título: «Estreias da Semana».

O CAVALEIRO DAS TREVAS

A segunda aventura de Batman, novamente concebida pelo olhar de Christopher Nolan, é um objecto que rebenta – literalmente – com todas as ideias e barreiras de conceito da personagem, do seu universo e da adaptação cinematográfica de BD. “O Cavaleiro das Trevas” encaixa na perfeição, sem perder tempo com apresentações, no encadeamento de “Batman – O Início”, (um dos filmes maiores de 2005, munido de fazer um reset ao passado do herói, alimentado anteriormente pelo delicioso expressionismo gótico de Tim Burton e pelos duvidosos circos de néon de Joel Schumacher) e consegue a soberba proeza de ultrapassar todas as qualidades do capítulo anterior, resultando numa magnífica sequela, em tudo superior.

Estamos, garantidamente, perante “a encenação cinematográfica definitiva do Homem-Morcego”, como Jorge Mourinha escreve hoje no Público. De facto, “O Cavaleiro das Trevas” é um novo passo no mundo de Batman e do cinema dos super-heróis, onde tudo gira em Gotham City, uma metrópole com identidade própria, que surge como pano de fundo da acção, e que é tomada de assalto pela personificação do mal absoluto, tornando-se num palco de luta entre o bem e o mal (parecenças com Heat não surgem à toa e são justamente bem empregues), onde o medo e o caos iniciam a sua proliferação pelas mentes e corpos dos cidadãos, que discutem os termos de justiça entre si mesmos e não com as autoridades, que questionam continuamente.

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Existem dois vértices vitais na composição d’ “O Cavaleiro das Trevas”. O primeiro manifesta-se claramente – e num grau de importância superior – nos seus criadores, a dupla dos irmãos Nolan. Jonathan e Chris escreveram o guião, no curto espaço de um ano, com uma noção de dramaturgia e tragédia acima do normal, e que se exprime em dois importantes pontos: o facto de terem composto esses elementos em personagens oriundas da BD, ao mesmo nível com que exploram tudo isso numa base real, num subtil tom pós 11 de Setembro e que pinta soberbamente a realidade em que vivemos e onde as personagens dos comics também mostram ter lugar. Para além da força estrutural do guião, é de salientar a sóbria, mas imponente, realização de Chris, onde o mais curioso ponto de análise surge numa mudança de estilo face ao capítulo anterior (uma mise-en-scène mais clara e elaborada, um ritmo mais pausado e planos verdadeiramente saídos de vinhetas da BD) e no uso da cor (o castanho ferrugento d’ O Início é aqui substituído por um azul hipnótico, e a grandiosidade da acção e a visão caótica e violenta do espaço urbano remete-nos para o melhor de Michael Mann).

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O segundo vértice deste capítulo estende-se ao brilhante trio de personagens principal. Batman é-nos trazido uma vez mais por Christian Bale, que veste e acompanha, com naturalidade e segurança, a maturidade da pele do Homem-Morcego, e que vive aqui dias de amargura e um teste à sua força interior, nunca antes explorado. O seu sentido de justiça e motivação incorruptível mantém-se a todo o custo, mas isso e a obsessão por uma vida normal vão levar consigo um preço muito elevado. Na mesma estrada, encontramos do lado oposto o maior vilão de sempre: Joker, interpretado pelo falecido Heath Ledger. Sem exageros, confirma-se que Ledger é verdadeiramente assombroso, genial, abismal; falamos de uma das maiores composições de uma personagem dos últimos 25 anos (ao nível de um Hannibal Lecter), ele é o rosto maior do caos e da anarquia, e também é, sem dúvida, a maior encarnação de Joker do grande ecrã (sem menosprezo pelo fabuloso Jack Nicholson), que testa constantemente a identidade e sanidade de Batman. Para além do brilhante trabalho do actor, é formidável a forma como ele nos surge e como se mostra; cada origem das suas cicatrizes remete-nos para um passado turbulento e sombrio (curiosamente relativo a comics tão conhecidas como o caso de Piada Mortal, na história da esposa), que funciona perfeitamente para concebermos a deturpada existência do personagem, sem que seja necessário mostrar flashbacks ou utilizar outros meios e quebrar a soberba narrativa, o que nos mostra o Joker como “pleno e absoluto”, pelas próprias palavras de Chris Nolan (Sam Raimi que olhe bem para este exemplo no futuro). Por fim, Harvey “Duas Caras” Dent, surpreendentemente interpretado por Aaron Eckhart, é uma personagem de enorme força ao longo de todo o filme. Falamos de si num registo de tragédia grega, onde a sua perda, sofrimento e transformação valem a Eckhart um dos seus melhores momentos no cinema até hoje. O final dúbio da sua existência não deixa de valorizar o seu lugar numa cidade corrupta e refém do mal, onde o sacrifício se apodera dos inocentes e dos mais bravos.

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Ao olharmos para este leque de mentes atormentadas, verificamos que estas 3 peças vivem interligadas entre si, de uma forma indissociável; se olharmos perto, Batman e Joker são duas faces da mesma moeda – uma infância traumática e abusiva – que se verifica uma linha ténue sobre a fronteira entre o bem e o mal, culpada pelo nascimento de Harvey “Duas Caras” Dent (seja pela malvadez aliciante de Joker como pela inacção de Batman); ao mesmo tempo temos a proeminente questão do nosso herói se debater ferozmente com as “duas caras” da sua própria existência, ao questionar (em conjunto com a cidade que o viu nascer) a sua missão de justiceiro, em simultâneo com o seu lugar de homem que nela quer viver – todos estes dilemas e mistérios, ainda que irónicos, são tudo menos inocentes, e resultam de uma forma absolutamente notável e eficaz, e que pedem ao filme uma segunda ou terceira revisitação, que se torna mais rica.

São inúmeros os momentos fenomenais deste filme, mas entre eles destacam-se o interrogatório a Joker, a conversa de Joker com Harvey no Hospital e ainda o encontro final entre Batman e Joker. Além disso, Hans Zimmer e James Newton Howard compõem uma banda sonora de enorme peso (o tema do Joker é assustador), Nolan filma como poucos, o elenco é todo ele fabuloso (ainda que a beleza e inocência de Katie Holmes não seja igualada por Maggie Gyllenhall, que é, apesar disso, muito competente), o argumento é negro, sólido e complexo e os fardos a carregar são cada vez mais pesados, numa Gotham que está a saque. A maior graça é que tudo isto está a ser “vendido” às massas como um blockbuster mainstream, mas na verdade é tudo, mas mesmo tudo, menos isso.

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Em suma, para além de um verdadeiro épico mascarado de rostos grotescos e almas feridas (onde os géneros noir, policial e thriller se misturam avidamente), Christopher Nolan vai mais longe ao elevar a missão de Batman a um julgamento – até que ponto pode coexistir a justiça institucionalizada com a pessoal, e o que o separa do Joker além dos motivos – e dá-nos um enorme tratado sobre a vingança e as noções de perdão e sacrifício, tão sombriamente encaradas ao longo de duas horas e meia de grande cinema, onde a força da BD se mistura com a problemática realidade do terrorismo global, e que culmina num negro e poderoso final. Uma obra-prima.

Francisco Toscano Silva

Cloverfield - Nome de Código Cloverfield (DVD)

2008-07-23T08:00:00.000+01:00

Manhattan tem sido, na maioria das vezes, o alvo preferencial de realizadores dos chamados filmes de apocalypse. Pelo que se tem visto até aos dias de hoje, já dá para retirar uma ideia acerca da qualidade do filme (lembro-me do absurdo Godzilla). No entanto, com alguma inspiração no 11 de Setembro, um ritmo ofegante e um medo oculto, o mais recente filme do realizador Matt Reeves irá ressoar pela história do terror na cidade de Nova Iorque, tal como nenhum outro alguma vez o conseguiu.

Cloverfield é, essencialmente, um filme feito de câmara ao ombro, tal como se viu no sobrevalorizado Blair Witch Project e no mais recente vencedor do Fantasporto, [REC]. O filme segue de perto um grupo de jovens em busca de uma amiga presa num edifício, depois de um monstro ter saído do mar e decapitado a cabeça da Estátua da Liberdade, enviando-a para as ruas a meio do lower East Side. Se bem que não se diga, este acaba por ser o momento mais simbólico do filme produzido pelo criador da série televisiva Lost, J.J. Abrams. Tal como naquela trágica manhã de Setembro, a queda de um símbolo da cidade (na realidade é a queda do valor essencial que representa o alicerce máximo da sociedade norte-americana) conduz o espectador por uma exaustiva réplica do pânico generalizado que se gerou, então, nas ruas de Nova Iorque.

No geral, Cloverfield é rápido, pessoal, imediato e cheio de fumo e fuligem. Porque nada aconteceu se não for gravado numa câmara (toda a gente o sabe) é fundamental que este objecto de culto do século XX siga todos os passos das personagens, todos os esguichos de sangue, todos os dramas, romances e histerias, como se fosse um reality-show. Assim como um mau filme costuma ser, Cloverfield segue o caminho oposto: não oferece respostas, mas oferece quase 90 minutos de entretenimento. Já há o cheiro a sequela no ar…

Pedro Xavier

Léon (1994)

2008-07-22T08:00:00.010+01:00

Certamente que todos os que viram Nikita, o filme de culto de Luc Besson no início dos anos 90, sentiram uma ligeira sensação de dejà vu ao visionar Léon. Este filme de 1994 é como que uma continuação da mesma temática, no entanto, com ligeiras diferenças: Nikita (Anne Parillaud) era uma rapariga da rua que se torna assassina em nome do governo para escapar à pena de morte; em Léon temos Mathilda (Natalie Portman), uma criança-mulher de doze anos que pretende tornar-se assassina, para vingar a morte do seu irmão mais novo.

Jean Reno interpreta um “cleaner”, um hitman profissional, sem mulher, sem amigos e sem dinheiro. Trabalha para o chefe da máfia italiana “Big” Tony (Danny Aeillo), do qual recebe os “trabalhos”, executando-os com precisão. Com o mesmo profissionalismo com que “limpa” os seus clientes, trata da sua planta num vaso, a sua única companhia. No mesmo prédio vive Mathilda que, um dia ao vir das compras, vê a família assassinada por um esquadrão de polícia de combate aos narcóticos, liderado pelo psicótico Stansfield (Gary Oldman). A câmara segue Natalie Portman por um corredor aparentemente infindável, a deslizar entre a vida e a morte até que se abre a porta da vida ou, de outro modo, a porta para a vida de Léon.

O primeiro instinto de Léon é ver-se livre da rapariga, mas não como está acostumado a fazer. Os dois acabam por ficar juntos, a aprender um com o outro. Léon ensina Mathilda a limpar a arma e ela ensina-o a ler e a escrever; ele ensina-a sobre a morte, ela ensina-o sobre a vida. Ele é um rapaz dentro de um corpo adulto, ela uma mulher no corpo de rapariga. Foi devido a este bailado, a esta interacção quase sexual entre as duas personagens que Léon não foi tão bem recebido pela crítica americana, no entanto, o romance proibido já antes tinha sido abordado em Lolita e a exploração de carácter sexual em Taxi Driver.

Léon, o filme, não é uma história de acção, nem de mafiosos, nem de polícias corruptos, embora misture todos estes ingredientes, com a grande maestria que Luc Besson imprime nas sequências de acção (The Fifth Element). Apesar destes factores, a sua grande força reside na interpretação dos actores. Jean Reno tem o papel principal mas cabe a Natalie Portman a honra de se destacar como actriz revelação afirmando-se, mais uma vez, como uma das grandes actrizes da actualidade.

Pedro Xavier

Let's put a smile on that face

2008-07-21T15:00:00.004+01:00

Pedro Xavier

Eli Roth analisa trailer de Hitchcock

2008-07-21T13:00:00.003+01:00

Eli Roth, realizador dos filmes Cabin Fever, Hostel, Hostel: Part II e co-realizador de Grindhouse, analisa o trailer de um dos mais famosos filmes de Alfred Hitchcock. O curioso neste trailer do filme de '63 reside no facto de, durante os 5 minutos em que o realizador inglês nos aguça o apetite, nunca se ver um plano do filme. Assim como os seus filmes eram repletos de suspense, o mestre aplica a mesma receita na elaboração deste trailer. Senhoras e senhores, eis The Birds.

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Pedro Xavier